The Rotterdam-based Pan-European trio ALBATRE warns that it delivers a kind of punkish-metallic-noisy free jazz that is no jazz for weddings. It is a fair warning and a best kept promise. The trio sophomore release, «Nagual», released two years after the trio debut, «A Descent into Maelstrom» (Shhpuma, 2013), demands a total surrender to an ecstatic and turbulent, at times nightmarish sonic universe, fully knowing that there is no escape from it. The trio features prolific Portuguese bass player Gonçalo Almeida, who plays also with the LAMA trio, Tetterapadequ quartet and Spinifex quintet, fellow countryman, alto sax player Hugo Costa and German drummer Philipp Ernsting.

«Nagual» begins with a massive, repetitive grind that sound as slowed-down adaptation from the lexicon of The Thing «Boot!»-era or early Zu onslaughts, so powerful and aggressive that may tear down skyscrapers. The second piece on the first side of this vinyl only album (plus download option) proves that the trio language is more varied and richer. «00» is experimental dive into a claustrophobic swamp of surreal, abstract textures, fractured pulse and distorted-wailing shrieks that abruptly morphs into rapid, manic onslaught, highlighting the tight interplay of ALBATRE.

The second side of this album feature the three-part piece «El Bicho» (The Bug). On the first part the sax and bass are veiled with thick walls of electronics pierced only by the massive, addictive rhythm of the drums. The second part stresses again the rhythm, this time a rapid grind of the drums amid a chaotic, psychedelic storm of sax wails and repetitive, heavy bass riffs. The last suggests another variation of the rhythm, now dictating a fierce slowed-down doom-metal pulse that intensify the nightmarish-psychedelic storm.

Obviously, weddings and other family ceremonies are ruled out. More likely a soundtrack for demonstrations against the greedy, inhuman neo-capitalist regimes.

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“Nagual” é o novo álbum dos Albatre by Rui Dinis in “A Trompa”
http://a-trompa.net/novidades/nagual-e-o-novo-album-dos-albatre
A editora Shhpuma tem novo disco! Melhor ainda, os Albatre têm um novo disco. Chama-se “Nagual” e marca o regresso aos discos do trio luso-germânico formado por Hugo Costa (saxofone), Gonçalo Almeida (baixo) e Philipp Ernsting (bateria). E é um regresso em grande, com cinco faixas de arrasadoras, nascidas de um estimulante encontro entre o free jazz e o noise. Altamente aconselhável.

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Albatre – Nagual “Successful punk-metal-free jazz noise” by Opduvel
http://opduvel.blogspot.nl/2015/10/geslaagde-heavy-jazz-zonder.html?spref=fb
Shhpuma, 2015

Albatre may be part of the New Wave Of Heavy Dutch Jazz, but Dutch are not found in this group. The trio consists of the Portuguese Hugo Costa (alto sax, loops) and Gonçalo Almeida (bass, effects, keyboards) and German Philipp Ernsting (drums, electronics). Albatre operates from Rotterdam, and in that sense way you can see their participation in The New Wave Of Heavy Dutch Jazz as justified.

Musically it can certainly, as well as at Cactus Truck, Dead Neanderthals and Donné Et Desirée that the music of Albatre its not the subtle kind. The title “punk-metal-free jazz noise ‘, which this music is classified on the website of record label Shhpuma covers it quite well. Jazzy rhythms or sensitive solos is no question: Albatre pops it hard and does so in “Nagual” with full conviction.

That starts in the album-opening title piece, which mainly occurs in the first part of the Italian Zu think gnarled, in fits and starts, a sample of a track is started and also in the future the raw energy is not released in a piece where bass and drums ensure fast rhythm and Costa is almost over blows his alto sax, so much so that you wonder whether he has inadvertently hung around a tenor or baritone. Just like on the last record of Zu, Cortar Todo, the saxophone on “Nagual” is not in the front of the mix, but the instrument makes part of the overall sound of Albatre.

By things are somewhat different approach. Slowly starting with a dark sounding piece played by a powerful sounding bass, fast drums and electronics, as subsequently supplemented with an alto sax now seeks higher regions, is gradually working towards a gripping climax where the pace and intensity almost imperceptibly go up and (re ) fits and starts a solution is sought, which is then found in an upbeat and almost freaky but controlled final chord.

Side 2 of the LP consists of the three-volume El Bicho, which is closer to noise rock than jazz. El Bicho I submit the saxophone in the first minute with the necessary electronics a whopping down a drone which the alto sax sounds heavy, interrupted only by a very short solo spot for bass. The electronic effects prevail in the second part, but rhythm continues bass and drums going. El Bicho I takes six minutes, but works so addictive that it should fill an entire plate edge.

With messy piano sounds and a saxophone that sounds as if it is played at some distance, El Bicho II started slowly, after which the track is quickly brought up steam. Here opted for a more angular but again addictive rhythm, accompanied by sparse saxklanken. Finally, there is the slow El Bicho III, a lingering piece of doom, noise and psychedelia is peppered.

Albatre sign with ‘Nagual’ back to front with a full and powerful sound that exciting, but above all it has to offer three musical showmanship much because it also contains a wealth of inventiveness and musicality. That all this is done without any form of ego-tripping contributes to a very successful album.

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Albatre – Nagual (Shhpuma) by Guy Peters in enola.be
http://www.enola.be/muziek/artikels/25984:the-portuguese-connection-2015-pt-3-goncalo-almeida

Almeida gave us a long time ago muilpeer of size with his companions Albatre. A Descent Into The Maelstrom was, in a style that best Zu, The Thing and the Belgian [sic] united, unpredictable winding beast that did not just tame. The contribution they gave to the compilation The New Wave Of Dutch Heavy Jazz was an equally eccentric bonus and when the whole mess in April landed in the cinéPalace (Kortrijk), Albatre made there for a headbutt which put a bloody end to an evening that the theme was freedom and pulverizing energy.

Spray may also be the most appropriate verb to describe the new album Nagual (currently only available on vinyl, and like its predecessor released in Shhpuma, a sub-label Clean Feed still Oba Loba João Norberto Lobo released earlier this year) because here is resolutely opted for a plump waffle to your head that you wipe the wall with life and limb. This follows the band a price which is comparable to that of Zu (a movement of more acrobatic punk jazz to that of a greasy core jazz doom), but it also sounds again personally. And Almeida’s colossal growling bass sound, which he so get to work at, say, The Melvins or countless other doom and sludge bands, is now more central than ever, is the thundering machine which to a large extent the impact of Nagual bepaalt. Not that the game of colleagues Hugo Costa (alto sax) and Philipp Ernsting (drums) is not interesting, on the contrary, but the impression that prevails is that of the overwhelming impact, the brute force.

From opener “Nagual” is immediately bumping very dry, a staccato attack of a trio that presents itself as the shock troops of a dark power. It’s heavy and it is by the stubborn repetition just yet brutal on. Gradually the timing is what bijgesleuteld, but it takes minutes for the trio trades in the repetitive collision course for an intense, threatening chaos that possibly even a scoop or two on top does. When you land at the end, you also get the impression that you have just survived a devastating sea storm. Ditto for “<>“, which pulls out with its sprawling drone / ambient textures and sci-fi tinged effects, before bursting into a monstrous wrenching jazz doom. The three-part “El Binho” move which expires income rate further, but introduces rhythms, sounds and interplay that with some good will might consider as infernal dance of the pump-or-swim-kind. Nagual is a grueling trip, but after trailing lock that actually reminiscent of the early psychedelic form of a Ufomammut, the versatility of Almeida’s already become much clearer.

“Touch” (01) ist ein würdiger, stimmungsvoller Opener. Gitarrenakkorde mit gehörigen Pausen, die über einem Summen liegen, erinnern mich zunächst an FENNESZ, klingen weit und landschaftlich. Sehr zügig fügen sie sich aber doch zu melodiösen Songstrukturen, die Gitarre liegt über ruhigen Drones im Hintergrund. Hat was von Roadmovie, leicht jammend, aber sehr flüssig. In der zweiten Hälfte überwiegt Ambient, die Drones stehen im Vordergrund und dominieren die einzelnen, teils leicht verfremdeten Gitarrensounds. Auch “Mermaid’s Theme” (02) startet mit (Meeres)Rauschen, die Gitarre dazu imitiert tatsächlich ein wenig die entsprechenden Surf-Instrumentals, und dahinter wiegt sich ein entspannter Bass sanft hin und her. “Desire” (03) besteht aus breiteren Ambientflächen, vor allem bestückt mit Synthiedrones. “Homen Dos Sonhos” (04) ist die Überraschung des Albums: die ruhige, twangende Gitarre begleitet hier plötzlich – zum einzigen Mal – Gesang, der leicht verweht aus dem Hintergrund tönt. So entsteht eine Art beschwörender Slow-Rock-Ambient, der sehr positive Parallelen zum Titelsong der Fernsehserie “Vikings” von FEVER RAY aufweist. “Scorpio’s Theme” (05) mutet leicht bluesig an; ein spaciges Instrumental mit brummenden, mäandernden Sounds (und natürlich mit Gitarre). Zum Ausklang beschließt “Love” (06) als melodiöser und eher unauffälliger Track die halbe Stunde.

Die ganz großen Vergleiche des Labels mit MANUEL GÖTTSCHING oder TANGERINE DREAM kann ich (noch) nicht ganz nachvollziehen. Aber durch ihre warme, etwas psychedelische Atmosphäre hat die Musik auf jeden Fall viel Meditatives. Einige kleine, manchmal versteckte Spielereien sorgen für genügend Abwechslung. Und insbesondere auf “Homen Dos Sonhos” – das Stück mit Gesang – lässt sich aufbauen. Wohliger Ambient aus Portugal mit eigenem Charme und weiterem Potential.

in: Nonpop by Michael We

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There are artists today who make almost orchestral music out of the electric guitar, using effects and digital technology. I see nothing wrong with this. It comes out of a long line of guitar transformations that started in rock, found its first fully cohesive statement in early Jimi Hendrix, then continued to evolve with Rypdal, Fripp, Lucas and so forth into today.
A new entry into ambient psychedelic sonics can be heard on the album Coclea (ShhPuma 015), a nicely paced CD of compositions that make full use of the very electric guitar and the possibilities the studio situation affords. Guilherme Goncalves is the composer of the music heard. He also presumably is the guitarist and overall sound sculptor responsible for the end musical result. There are vocals here too, and perhaps some purely electronic elements though I don’t believe so, for what it is worth.
Whether this is live with digital delay or multi-tracked I cannot say for sure and frankly I don’t care. Perhaps this is a controversial view but as much as I love the live situation, the digital world gives us the chance to create musical worlds as a painter works with canvas and pigment, and I don’t see a problem with that. The finished painting is always a product of multiple “live” actions and other than the old Zen spontaneous single-gesture artists of the East, it is never really “live” in the moment. Why cannot a musical artist have the same freedom, if he or she so wishes? A classical composer in the traditional sense is not required to write out all the parts simultaneously, but works in time and over time. Not everything is improvised though the construction of all musical work involves successive elements of improvisation and revision over time, much as a jazz artist practices.
What matters to me is the musical result. And with Coclea it is strongly evocative, ambient, a bit spooky perhaps, but also showing a fine sensitivity to the sound an electric guitar can provide in the extended electronically enhanced world and some memorable compositional results.
I don’t care what this music is called. It may not be jazz. It may not be rock. It is new music and it is highly stimulating. And if that means something to you, so much the better. It is well-done and stays in your mind. And so I recommend it for that.
The point is to me that music like this does not negate other music so much as it adds to our musical legacy if it is good. It is good.

in: Gapplegate guitar by Grego Applegate Edwards

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Navegar, navegar.
É daquela guitarra marinheira, a surgir por entre o cheiro a sal e a paisagem avistada desde o cais. “Touch”, evidentemente, porque toca o imaginário e a alma, traz consigo os de agora, os de antes, os que estão por vir, aqueles que deixarão tudo para trás em busca da terra e do tesouro. Guilherme Gonçalves, vulgo Coclea, parece saber muito bem como deixar uma óptima primeira impressão; o dedlilhar, o slide, e uma das melhores faixas de abertura num disco deste nosso 2015.

Não que Coclea, o seu mais recente álbum, editado pela Shhpuma, seja apenas essa “Touch”; certo é que o primeiro tema ajuda, mas uma viagem não se faz apenas da partida. Logo a seguir, uma sereia entra pela cóclea (impossível não fazer a piada) com o seu canto, extremado pela onda melódica que a guitarra vai surfando aqui e ali, um tsunami gigante de maravilha. É possível ser-se psicadélico se, em vez do rigoroso LSD, levarmos a água do mar à boca?

Coclea é um disco fascinante, onde as composições de Guilherme Gonçalves percorrem o espaço sonoro em ritmo de viajante, recolhendo informações de cada canto e crescendo pessoalmente com isso. O que mais sobressai é mesmo a guitarra esparsa, com um ou outro condimento electrónico. “Touch” e “Mermaid’s Theme” dão esse mote, a bela “Desire” exalta-o, e em “Homem Dos Sonhos” Coclea dá até espaço à sua própria voz, flutuando como uma bóia em tarde de verão. E há ainda os sete minutos berberes – o deserto a impôr-se à água – de “Scorpio’s Theme”. Diz ele que veio tudo ter consigo. Só nos resta chamar-lhe Maomé.

in: Bodyspace guitar by Paulo Cecílio

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O álbum Coclea do projecto homónimo de Guilherme Gonçalves vê finalmente a luz do dia através da Shhpuma. Apesar de ainda não se encontrar listado no site da editora, Coclea recebe o número 15 no catálogo da Shhpuma, sucedendo assim ao lançamento de Oba Loba da dupla Norberto Lobo / João Lobo.
Há uns meses, Guilherme Gonçalves procurou, infelizmente sem sucesso, lançar este trabalho em vinil criando para isso uma campanha de crowdfunding onde apresentou Coclea:
Esse novo disco, de título homónimo, foi gravado ao longo de 4 meses em 2013 e algumas das suas inspirações e influências musicais foram: Windy and Carl, Manel Gottshing, Laaraji, Peter Green, My Bloody Valentine, etc.
Trata-se de um disco ambiental que tem a pretensão de estimular o ouvinte a interpretar a música recorrendo ao seu próprio imaginário. As composições têm como principal instrumento a guitarra eléctrica que, por vezes, é seriamente processada através de efeitos e sintetizadores o que faz com que a música remeta para sítios abstractos e étereos.
De facto, a música (in)contida em Coclea é tão honesta e transparente quanto as palavras de Guilherme Gonçalves: estes sons têm mesmo o condão de estimular a imaginação e de nos transportarem para lugares longínquos. Trata-se, de certa maneira, apesar dessas referências não estarem presentes na lista sugerida por Guilherme Gonçalves, de uma espécie de novo take sobre a Exotica de finais dos anos 50 e 60: projecções fantasiosas sobre latitudes longínquas que tanto evocam mares tranquilos e ilhas frondosas, como selvas e antigos templos de civilizações há muito perdidas. As “naves” que nos transportam são, aqui, a guitarra eléctrica ultra-processada e desenhadora de loops e a electrónica circundante que sugere os ambientes sobre os quais se vai desenrolando a “narrativa”.

in: 33-45 by Rui Miguel Abreu

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É um prazer ouvir o mais recente disco de Coclea, o projecto a solo de Guilherme Gonçalves. É sempre um prazer deixar-me envolver naquelas etéreas ambiências, fruto de uma guitarra eléctrica tratada com proximidade, de uma guitarra explorada, processada, sintetizada, enfim…no fim, é tudo imaginação.

in: A Trompa by Rui Dinis

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Depois de dois anos enquanto técnico de som da Zé dos Bois, Guilherme Gonçalves juntou pedaços de tudo aquilo que lhe passou pelos ouvidos e inventou um projecto de guitarra eléctrica solo chamado Cóclea. O disco está aí e sábado há concerto no Rescaldo.
Guilherme Gonçalves sempre tinha tratado a guitarra como um condutor de electricidade abrasiva, como atalho para uma torrente de distorção aprendida ao mesmo tempo que percebia como manejar o instrumento segundo os mandamentos do hardcore.

Mas a sua integração na equipa da Galeria Zé dos Bois (doravante designada na sua mais popular versão – ZdB), enquanto técnico de som ao serviço do Aquário (sala com vista para as ruas do Bairro Alto na ZdB), obrigaria a que passasse a olhar para a guitarra desconfiando dos seus atributos anteriores. Entre 2005 e 2007, expostos à programação musical da casa, distribuída por duas noites semanais de dois/três concertos, os ouvidos de Guilherme Gonçalves foram vergastados e reeducados por uma série de projectos que tanto podiam estar filiados no noise mais radical, na música improvisada vizinha das vanguardas do jazz, no rock mais retorcido ou nas mais vítreas canções de uma folk marginal.

Diante de tudo, quase sem se aperceber, o músico começou a conceber um novo corpo musical feito de pedaços “roubados” àquela chusma de gente e de diferentes visões musicais que lhe invadia os dias. Era como se alguém tivesse desdobrado um gigantesco catálogo de fracções musicais com as quais Guilherme se podia alambazar à vontade. E isto era válido tanto para a música propriamente dita quanto para as ferramentas e os processos de a alcançar. “Naquele período, tive acesso a muita informação e todas as semanas conhecia muita gente com diferentes discursos artísticos”, relata. “Isso permitiu-me abrir horizontes e partir para uma aventura de exploração a nível criativo, o que aconteceu com um projecto a solo, recorrendo à guitarra eléctrica.”

No meio desse pântano de centenas de concertos que lhe passaram efectivamente pelos ouvidos, alguns foram essenciais para lhe sugerir o caminho a tomar com Cóclea: a pop espacial e atmosférica dos Windy and Carl, a folk arisca de Samara Lubelski acrescentada do filho bastardo de Nick Drake e/ou Bert Jansch baptizado P. G. Six, a chinfrineira densa e nebulosa dos Yellow Swans e o psicadelismo de ambição extra-planetária dos Acid Mothers Temple. Tudo isto, a união destes extremos nervosos, encontra-se de alguma maneira nos caminhos que a guitarra eléctrica de Guilherme Gonçalves vai desenvolvendo no álbum de guitarra eléctrica a solo que agora edita pela Shhpuma e apresenta este sábado, na Culturgest, Lisboa, numa das noites mais fortes do festival Rescaldo, cedendo depois o palco a Lula Pena.

Estabeleçamos isto: foram estas referências díspares que ouvia em concerto na ZdB, mas que acompanhava em cada momento da sua preparação, a preencher os espaços de cada uma das suas dúvidas relativamente ao “know-how em termos tecnológicos, de material ou pedais de guitarra, e processamento de som”, assim como a ultrapassar carências “de algum conhecimento artístico e musical”. “O que é engraçado é que nunca foi algo que procurasse muito, veio tudo ter comigo e, às tantas, percebi que me eram mostradas coisas que sempre tinha imaginado querer fazer mas nem sabia muito bem como.” O curso intensivo atrás da mesa de mistura da sala lisboeta mostrou-lhe então que a intensidade de uma guitarra explorada com a distorção no máximo e o botão do volume a tocar o vermelho podia ser trocada por uma exploração sónica mais introspectiva, sem se deixar cair no perigoso embuste da inconsequência. No fundo, Guilherme Gonçalves queria virar a guitarra para dentro, perceber quais os vários trilhos que podia cruzar livremente em cima do instrumento.

Anos de Gala
Tudo aconteceu mais ou menos ao mesmo tempo. Em 2007, Guilherme Gonçalves deixou o trabalho na ZdB, iniciou o seu percurso a solo enquanto Cóclea (já vamos ao nome, mais um par de parágrafos, por favor) e substituiu Tiago Miranda nos Gala Drop. Não é meramente circunstancial este elencar de acontecimentos. Do catálogo de sons da ZdB nasceu Cóclea, como já vimos, mas a coincidência temporal com a entrada nas fileiras desses mestres da música expansiva chamados Gala Drop permitiria a Guilherme reforçar a ideia de que a sua via a solo, “sem ser fechada ou soturna”, prosseguia por terrenos mais introspectivos – é isso que nos conta Mermaid’s Theme, guitarras desprendidas, por camadas, daquilo que poderiam ser canções arregimentadas pela dream pop, herdadas dos My Bloody Valentine.

Ao serem essencialmente uma banda de comunhão e de festa, cuja sonoridade enleada em referências africanas, jamaicanas e uma série de outras “anas” é gloriosamente expelida para fora, os Gala Drop funcionavam como perfeito reverso daquilo que o guitarrista explorava a solo. “No tempo em que estive com os Gala Drop fizemos cinco tournées europeias e isso permitiu-me estar sempre a tocar guitarra, a explorar novas ideias, outras interacções com os instrumentos, novas abordagens à guitarra e tomar conhecimento de outras abordagens musicais e outros estilos de música”, lembra. E nessa medida, apesar da distância entre a música que ouvimos nos dois cenários, Cóclea é também uma decorrência assumida da actividade que desenvolveu com os Gala Drop até finais de 2014.

Quer entremos neste disco pela porta do magnífico orientalismo rumo ao excesso de Scorpio’s Theme ou pelo western degenerado de “Desire”, aquilo que encontramos na música de Cóclea é uma digestão controlada de loops de guitarra programados para viverem em conjunto, espalhados com pinças pelo espectro sonoro, numa mistura de construção e improvisação. “É como se fôssemos fazer um trekking qualquer numa montanha”, compara Guilherme Gonçalves, “e nos dessem os meios necessários, os mapas e as coordenadas principais. Mas depois haveria vários caminhos para chegar ao fim e caminhávamos com liberdade a partir daí.” Pontuada por loops que servem de bandeiras de sinalização, a guitarra avança depois por sua conta e risco.

Agora, que o seu projecto com nome do órgão do ouvido interno (em espiral e responsável pela distinção dos diferentes espectros de frequências sonoras) deixa as edições limitadas em CD-R e arrisca uma vida mais afirmativa, o guitarrista abana também a definição do seu projecto apresentando-se no Rescaldo em quarteto – com Yaw Tembé na trompete, Shella (ex-Paus) nos teclados e Alex Klimovistsky (Youtless) em voz e electrónica. A partir de amanhã, tudo poderá ser diferente.

in: Público by Gonçalo Frota

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Há um aquário e um homem hipnotizado pelas cores dos peixes que ali nadam. Um dia veste-se de gala e toma o autocarro para a Babilónia. Anos depois tira 30 minutos de música de dentro de si. Ambientes, paisagens, vozes, memórias, camadas, ecos, uma estática beleza. Imaginámos uma cítara, ou seria Pessoa a perguntar “Pra que fui visitar a Índia que há/ Se não há Índia senão a alma em mim?

in: Expresso by Rui Tentúgal

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in: The Wire by Clive Bell

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è difficile provare a raccontare un disco che sfugge, defilato, non urgente e neppure afflitto dall’ansia di rincorrere chissà quale scena o pressante contemporaneità: un disco pigro, quasi svogliato, sonnolento e letargico, un disco che si potrebbe definire non necessario ed inutile se non fosse che questi due aggettivi, nel mio vocabolario, hanno la nobiltà della bellezza e la benedizione di qualsivoglia curiosità.
difficile parlarne: si potrebbe partire da un’indirizzo di Lisbona, 21 A Rua do Alecrim, dove in un sottoscala sotto al livello stradale si annida un negozio di dischi che per chi è nato nel secolo scorso (e si ricorda i negozi di dischi) è un piccolo mausoleo di memorie e gioie aggrovigliate al ricordo di cercare dischi, annusarli, guardarli, ascoltarli, riconoscersi e significarsi.
il negozio si chiama Trem Azul, porta il sottotitolo di jazz store, ed è l’evidente traduzione portoghese di Blue Train (se non si fosse ancora capito in che dolci acque si sta navigando): è un luogo sacro (sempre nel mio vocabolario), una specie di aleph di moquette, immaginazione, silenzio e musica meravigliosa e randagia. è insomma un luogo che consiglio di visitare se ci si trovasse da quelle parti (e che non racconterò come fanno i vacanzieri con le diapositive). ma oltre tutto ciò è anche l’indirizzo fiscale dove ha sede sociale l’etichetta Clean Feed che non credo abbia bisogno di grandi presentazioni: ne ha forse bisogno di qualcuna in più la (sotto)etichetta concepita sotto l’ombrello protettivo della Clean Feed che porta il nome di Shhpuma Records nata con l’intento di testimoniare la fervente scena nazionale portoghese (beyond, below and above the jazz! come dicono loro). l’indirizzo postale è sempre il medesimo, ça va sans dire.
ad oggi l’etichetta conta una dozzina abbondante di titoli in catalogo fra i quali splende il nuovo disco dei fratelli Norberto Lobo e João Lobo: chitarrista organico e sperimentale il primo, batterista il secondo. due nomi già annotati sui taccuini più attenti; nel 2013 un disco in famiglia (nello stretto giro della fratellanza) dal titolo Mogul de Jade (Mbari) dove sperimentalismi e lirismi accerchiavano una visione trasversale della tradizione patrìa. il nuovo disco a nome del duo vede invece allargarsi la cerchia degli amici e dei sodali che si sono ritrovati nello studio belga (Studio Grez) del pianista Giovanni Di Domenico: assieme a loro Ananta Roosens (violino, tromba, voce), Jordi Grognard (clarinetti e voci), Lynn Cassiers (voce, elettronica e woodblock). un sestetto europeo ed eterogeneo che ha visto la collaborazione in studio anche di Niels Van Heertum (euphonium), Daniele Martini (sax tenore) e di Gregoire Tirtiaux (batterie, arpa e voci).
un’ensemble cameristico sgangherato e continentale che ha dato voce alle composizioni polifoniche dei fratelli Lobo in libera uscita randagia e migrante fuori dal Portogallo e dentro quest’Europa che fatica a riconoscersi ed annusarsi nei palazzi di Bruxelles ma che ha già senso di esistere nelle sensibilità di chi vive questa fratellanza (più ampia) fra incontri, scambi, riconoscimenti e condivisioni.
Oba Loba (Shhpuma/Silent Water, 2015) è il titolo del loro lavoro che a quanto mi risulta non ha una vera e propria traduzione nell’idioma portoghese. Oba Loba è una specie di palindromo imperfetto allitterante (è bene non cercare la definizione in rete perché credo di essermela inventata), insomma rovesciando il tutto si può leggere Abo Labo che un poco rassomiglia a quel titolo immaginifico che turbò le fantasie dei alcuni fanciulli (fra cui lo scrivente) rapiti da una sigla televisiva evocativa, o per assonanza ricorda il nomignolo del blog cugino di questo che ha avuto un battesimo bizzarro e casuale. ma sono divagazioni personali, trascurabili, che servono a prendere tempo e a girare alla larga da un centro gravitazionale del disco che è al tempo stesso sfuggente e vago. Oba Loba è musica da camera pigra ed assonnata, musica da ensemble strumentale che a volte si mette a canticchiare con fare autistico (Aaaaaaa), musica bislacca screziata di elettronica e di coralità ebbra. un incedere indolente che rifugge gli sperimentalismi eccessivi per inseguire una cantabilità minima, essenziale, fischiettabile: qualcuno potrebbe riconoscervi del prog infantile, altri vederci una perfetta colonna sonora per un film in cui non succede nulla, c’è chi si aspetta che compaia da un momento all’altro la voce di Robert Wyatt (non succederà purtroppo, ma quanto sarebbe stato bello) e chi non si da pace nel cercare di collocare questo disco nello scomparto giusto della propria discoteca ordinatissima.
come si diceva più sopra musica non necessaria, svagata, onanistica eppure incantevole nel descrivere quel lieto niente in cui si è indaffarati ad oziare e non succede proprio nulla. sonnambulismo, suite accennate ed abortite, ritmiche zoppe: c’è da perdersi ed uscirne sconfitti a provare ad abbracciare l’orizzonte ultimo di questo disco. ed in fondo non pare neppure necessario: paiono svagati e svogliati pure i due fratelli nel provare a raccontare.
e se a Norberto Lobo si prova a chiedere quali siano le sue influenze ecco che (neppure troppo) inaspettatamente spunta fuori il nome di Jacques Tati: e la frittata, almeno dalle mie parti, è fatta! avevo detto che era difficile raccontare questo disco ma in realtà credo di essere io a non essere in grado di farlo: è che mi sono lasciato inghiottire in uno di quei gorghi di senso ed illogica allegria che riempiono i miei giorni più fortunati. ho messo assieme un’indimenticabile passeggiata solitaria e mattutina per le discese di Lisbona, un negozio di dischi inenarrabile, un palindromo imperfetto allitterante (?!?), due fratelli svogliati e defilati e la sola evocazione di Jacques Tati che basta a rallegrare ogni istante: e in più questa musica deliziosa e sublime che vi invito ad ascoltare gettando via tutte le mie parole inutili così come si separa una buccia dalla banana, gettandola, ed evitando di scivolarci sopra. il disco è qui, davvero delizioso.
buon ascolto

in: Borguez

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Anyone who reads regularly this review blog knows to expect virtually anything and everything that relates to guitar and bass playing, primarily in terms of music that may or may not be virtuoso showcases for artists, but is primarily determined by musical worth and interest.
Today’s album is no exception. It is a Portuguese compositional ensemble headed by acoustic and electric guitarist (and multi-instrumentalist) Norberto Lobo and his brother (?) Joao Lobo on drums (and harp). The album is entitled Oba Loba (shhpuma 014CD).
It is music that does not fit neatly into categories. It has postmodern new music sonarity, jazz-rock, avant jazz, ambient and melodic dynamics, all mixed together in original ways. Norberto and Joao share the writing duties with one composed by Giovanni Di Domenico, who is the primary keyboard player in the ensemble. They are joined by Ananta Roosens on violin and trumpet, Jordi Grognard on clarinet and bass clarinet, and Lynn Cassiers on vocals and electronics. All join in on group vocals from time to time. There are several additional guests who appear here and there. So that takes care of the who.
The what does not go easily into a verbal description. This is original music both cutting-edge and lyrical. I won’t say they sound like Oregon because they don’t. But like early Oregon they create a diversely rooted music that is both tuneful and avant, sometimes alternatingly, sometimes both intermingled. Norberto plays some interesting guitar but everyone contributes and really it is especially all about a group compositional objective. That makes them unique because the group sound does not follow predictable lines though the hearing of it all can be easily appreciated once one gets used to what to expect.
This is a trip in uncharted waters and there are discoveries ahead. Set sail with some provisions and you should find the journey a pleasure and a surprise. Get your ears on this and you will come away with a feeling that you have been to a different place. What better?

in: Gapplegate guitar by Grego Applegate Edwards

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Só com os lobos.
A paixoneta começa desde logo em “Tous Les Lapins”, o dedilhar de Norberto Lobo a abrir espaço à sessão de sopro e ao ritmo suave da bateria, como se num filme estrangeiro onde as histórias se contam não por palavras mas por gestos. Oba Loba é isto mesmo: uma história com pouco menos de quarenta minutos contada pelo duo com apelido de uivo, sequela para Mogul De Jade, disco de 2013. História que corre como o fluxo de um rio, sem paragens.

Mas podemos – e devemos – parar de quando em vez: escutar “Kasuari”, por exemplo, no conforto de uma casa outonal, antes de enveredarmos pelas paisagens orientais de “Aaaaaaa”, pequena peça que incorpora drones e chocalhos vários (para além, claro está, da guitarra omnipresente de Norberto Lobo). Não chega? Que tal se a canção partir ao meio e devolver um momento sob a aura do free jazz? Não que este seja um disco do género – aliás, Oba Loba, e sua panóplia de influências e motivos, é francamente inclassificável.

Há muita música, talvez demasiada música, para ser encontrada num disco apenas, neste disco apenas. Oba Loba, disco que mais que nos cerrar os dentes numa perna nos ensina a apreciar toda a natureza que nos rodeia, chegou demasiado tarde para entrar nessa coisa chamada “listas dos melhores”, mas caso tivesse figurado nalguma seria mais que merecido. É impossível não nos comovermos com “Olarias” ou com o chill out de “Bahííía”, o momento mais próximo que Norberto ou João Lobo alguma vez terão estado dos Thievery Corporation. “Castorium” e o final com “Magari” só confirmam o seu estatuto tremendo. Fascinante do início ao fim.

in: Bodyspace by Paulo Cecílio

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Eerst en vooral, om foute veronderstellingen meteen de kop in te drukken: Norberto en João Lobo zijn geen broers, of zelfs familie. Het zijn wel allebei muzikanten met Portugese wortels. Terwijl de drummende João een vast gezicht is in België (maar ook ver daarbuiten, en onlangs nog de hort op was met de Italiaanse pianist Giovanni Guidi), als lid van Going, het Manuel Hermia Trio en een resem andere bezettingen, is Norberto een gitarist die vorig jaar nog indruk maakte met zijn soloplaat Fornalha, maar in Lissabon al langer een van de sleutelspelers van de creatieve scene is.
Ze zijn ook allebei bekende gasten op het Brussels label Silent Water, dat een handvol vinylreleases uitbracht met deze twee maar ook een resem andere muzikanten die het niet zo moeten hebben van labels en genregrenzen, waardoor de muurtjes tussen jazz, improvisatie, drone, psychedelica, folk, noise en andere invloeden gretig neergehamerd worden. En hetzelfde geldt eigenlijk voor Oba Loba, dat behendig tussen werelden laveert, zich moeilijk laat vastpinnen, maar van die veelzijdigheid ook net zijn grootste troef en herkenbare identiteit gemaakt heeft.
In tegenstelling tot Mogul De Jade uit 2013, is dit geen duoplaat, maar wordt het tweetal vergezeld door toetsenist Giovanni Di Domenico, violiste/trompettiste Ananta Roosens, rietblazer Jordi Grognard (klarinet/basklarinet) en zangeres Lynn Cassiers, die ook de elektronica meebrengt. Ook hier is het resultaat een combinatie van muziek die hier en daar een filmische suggestiviteit heeft, uitpakt met soms wat opmerkelijke instrumenten en combinaties (harp, percussie, iets dat klinkt als een violofoon en de eufonium van gast Niels Van Heertum), en dat in veelal korte composities die regelmatig al na een halve beluistering blijven hangen.
Door die combinatie van folk, tribale ritmes, repetitieve elementen, eenvoudige thema’s en ongepolijste samenzang, is de nauwste verwant misschien wel Joachim Badenhorsts Carate Urio Orchstra. Ook daar heb je te maken met muzikanten die vooral een achtergrond in de jazz/impro hebben, maar samen klinken als een reizend rootsorkest dat zwalpt tussen oeroude folk, ritualistische muziek en een soms kinderlijke directheid. Oba Loba klinkt soms echt alsof de muzikanten samenkwamen om hun instrumenten te herontdekken. Niet omdat er zomaar wat wordt gedaan, maar omdat het allemaal heel spontaan en onberedeneerd klinkt.
Het bereik is best wel indrukwekkend. Sommige stukken sluiten aan – of eerder: zijn uitgezette versies van – de eigenzinnige folkvariant die Norbert Lobo al langer uitdraagt, maar door het toevoegen van blazers en viool krijgen ze een warme melancholie die erg beeldend is, zoals in “Tous Les Lapins”. In het ritmisch voortdurend verspringende “Kasuari” gaat het er dan weer grilliger aan toe, met gesjeesde kamermuziek vol elektronicageknisper, staccato blazers en haast romantisch pianowerk van Di Domenico. Het tribale aspect krijgt in “Aaaaaaa” (dat is wat gezongen wordt, soms kan het zo eenvoudig) dan weer een sjamanistische draai, alsof er inspiratie werd opgedaan bij een Zuid-Amerikaanse traditie.
En zo baant het sextet zich een weg door die mysterieuze, soms onweerstaanbare wereld, door zwierige jazzy pop/rock als “Olarias” te combineren met de iele drone van “Tak For Sherman” met z’n suizende, fluitende en ruisende klanken, terwijl Lynn Cassiers sirene van dienst is in het dromerige “Bahĩĩa” en eindeloos herhaalde ideeën door het slottrio “Castorium”, “Arpa” en “Magari” waaien. In dat laatste wordt de zo al voluptueuze bandsound nog eens aangevuld met blaaswerk van Niels Van Heertum (eufonium), Daniele Martini (tenorsax) en Gregoire Tirtiaux (baritonsax). Het resultaat is aandoenlijk in z’n onbezorgde eenvoud, een feestelijke uittocht als end credits bij een nazinderende film.
De meesten van deze artiesten zijn vooral geworteld in de Brusselse improwereld, maar het wordt snel duidelijk dat dit ook te goed is om zomaar het snoepje van een kleine kliek hardcore-fanaten te blijven. Oba Loba is een warme, veelkleurige en memorabele plaat die vanuit het experiment een uitnodigend, speels en prikkelend geluid laat horen. De moeite om te ontdekken.
De cd-versie verscheen bij het door Clean Feed gestuurde Shhpuma-label. De vinylversie verscheen bij Silent Water. De band speelt op zondag 9 mei op de Silent Water Label Night #1, samen met Going, het kwartet dat Giovanni Di Domenico en João Lobo hebben met Pak Yan Lau en Mathieu Calleja. Adres: Studio Grez, Rue Cornet de Grez 15 in Schaarbeek, waar het album ook werd opgenomen.

in: Enola-be by Guy Peters

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‘Oba Loba’, which is the work of Lobo Norberto (acoustic and electric guitars, fender rhodes, electric bass, monotron, vocals) and Lobo João (drums, harp, vocals) who enlisted the help of Giovanni Di Domenico, Jordi Grognard, Niels van Heertum, Lynn Cassiers, Ananta Roosens, Daniele Martini and Gregoire Tirtiaux on windinstruments mostly, but some also on piano and vocals. I’d say the most jazz-like of this trio of releases but it’s more than that, I think. Just a easily one could say this is folk or pop like – mostly freak folk and weird pop. The jazz-element is always there too, even in a free form of noisy measures (as in ‘Aaaaaa’) so it moves all over the place. Mostly moody and atmospheric but, as said, sometimes it stings out like a bee. It’s something I played with some interest, even a couple of times before getting a bit of grip on it, but I must admit overall this seemed to far away from the Vital world. Maybe the jazz is too regular, too polite and freak-folk also just very decent, without a sharp edge? That could be the intention of all of this, but it would be too sweet for my taste. It’s not bad at all, but it’s not really something I dig.

in: Vital Weekly

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Sous influence de la bossa-nova de BADEN POWELL, LUIZ BONFA ou PAULINHO DA VIOLA, et du fado (tel que le modernisa CARLOS PAREDES), le guitariste lisboète juxtapose des pratiques musicales à priori éloignées (american primitivism, delta blues, rag-time, samba, jazz, improvisation), mettant une grâce exquise comme une puissance sensible de jeu au service de ses idées musicales. On a pu découvrir son éblouissant duo avec JOÃO LOBO à Paris en 2013 ou au Festival des Musiques Innovatrices de St Etienne en juin 2014. La formation étendue qui s’exprime sur Oba Loba (où il est question de loups et de lapins) s’inscrit entre folk acide et jazz, d’une veine plus orchestrale que celle distillée sur Mogul de Jade, album qui initia leur rencontre. A savourer sans plus attendre !

in: Orkhestra

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Illustrated review

in: Criticas Felinas by Tiago da Bernarda

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Ouvido agora, Mogul de Jade parece um disco ingénuo, em que Norberto e João Lobo (sem ligação de sangue) entravam cada um com as duas ferramentas e carpinteiravam belissimamente em conjunto mas em que a música soava, apesar de uma desbragada liberdade, quase sempre a isso: Norberto e João a tocarem juntos. Claro que, pelo meio, havia Bragança, uma canção luminosa, caída de algures graciosamente aos trambolhões, uma peça desasada no meio de outras experiências sempre consequentes mas, percebe-se agora, bastante avulsas. Mogul de Jade não é um disco menor, mas Oba Loba trepou-lhe pela espinha acima.
O que Norberto e João Lobo assinam neste Oba Loba é música de outra ordem. E teria necessariamente de assim ser, uma vez que se apresentam em sexteto — na companhia de quatro músicos pescados nas águas do jazz internacional. Mas em que Norberto, que não desacelera na sua produção solística (ainda há pouco lhe conhecemos o excelente Fornalha), aparece agora mais diluído e, portanto, num modo mais surpreendente. A surpresa é tal que temas como Kasuari e Castoriumsoam a belíssimas homenagens à obra produzida por Simon Jeffes aos comandos da sua Penguin Cafe Orchestra (o dedo cabe aqui também ao piano de Giovanni di Domenico), esse exemplo milagroso de um grupo de música de câmara tão atraído pela música folk quanto pelo jazz quanto pelo minimalismo. Para além da proximidade do universo melódico de Oba Loba com o reportório de Jeffes, é sobretudo a partilha desse referencial triangular que alastra a todo o disco e cava um universo sonoro para o sexteto.
Tal deriva, mais chegada a um dos vértices a cada momento, vai empurrando Oba Loba ao longo dos dez temas, quer evoque drones e modos contemplativos orientais (Aaaaaa e Violynn), quer traga uma harpa que poderia desbravar o caminho de uma canção de Devendra Banhart mas que é tocada como se fosse uma kora maliana nas mãos de Toumani Diabaté (Arpa), quer se chegue à soberba manta de retalhos improvisados reunida por Nuno Rebelo em Azul Esmeralda (Tak for Sherman).
O mais relevante é que, como acontece em Tak for Sherman, de um som aparentemente desirmanado, atirado a perscrutar o ar sem forma definida, há uma música que, pouco a pouco, se impõe numa busca por ordem e beleza.

in: Público by Gonçalo Frota

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in: Expresso by Luís Guerra

in: Sound of Music by Thomas Millroth

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HELLEN MIRRA und ERNST KAREL kommen aus Boston und haben uns schon so Einiges zu Augen und Ohren gebracht. So auch die in den Kunstwerken (KW Institute for Contemporary Art) in Berlin 2011 stattgefundene Präsentation der Arbeit „Location Recordings“. Hier wurden 16mm Filme von MIRRA tonlos gezeigt. Und von KAREL kam dazu eine Audio-Arbeit, die den Film selbstverständlich in einen anderen Kontext als den gestellt hat, welcher MIRRA vielleicht dazu vorschwebte. So etwas kommt schon vor, wenn man zwar gemeinsam aber auch unabhängig voneinander an ein- und derselben Sache arbeitet. In den Kunstwerken jedenfalls konnte man so etwas wie einen theoretisch unterfütterten Versuchsaufbau, also ein Experiment, das wir allerdings schon von WILLIAM S. BURROUGHS her kennen, bestaunen. „Die unsichtbare Generation“ lautet der Titel eines von BURROUGHS verfassten Monologs. Darin heißt es: „Das, was wir sehen, wird weitgehend bestimmt durch das, was wir hören“. Und weiter: „Stellen Sie den Ton an Ihrem Fernsehgerät ab. Untersetzen Sie ihn durch einen beliebigen Tonstreifen, den Sie vorher mit Ihrem Tonbandgerät aufgenommen haben … Sie werden feststellen, dass der ausgetauschte Tonstreifen angemessen erscheint und darüberhinaus Ihre Interpretation des Filmstreifens auf dem Bildschirm bestimmt“. Stimmt, der Kontext macht´s.
Diese oder zumindest eine ähnliche Herangehensweise findet sich auch in den Arbeiten von MIRRA und KAREL. So auch in der aktuellen Arbeit, die so etwas wie eine audio-visuelle Landvermessung darstellt. Die im Titel angegebenen Zahlen decken nämlich die Breitengrade der Landmasse Nordamerikas von Ost nach West ab. Eine Region, die einst lediglich Waldgebiet war – bewachsen von Ulmen, die es dort längst nicht mehr gibt. MIRRA und KAREL stellten diese Landschaft schon mehrfach ins Zentrum ihrer gemeinsamen Arbeit. Für die aktuelle nun ordneten sie den verschiedensten Elementen ebenso unterschiedliche Instrumente zu. Eine Gitarre tönt für das Land, die Bass-Gitarre fürs tiefe Wasser, ein Analog-Noise-Generator für den Wind, Stille für die fließenden Flüsse und die Bilder, also der Film, für Eisenbahnlinien. Vorwiegend sind wohl die Farben blau und grün zu sehen. Sie stehen für Land und Wasser. Das scheint naheliegend. Mir jedoch liegt nicht der Film, sondern nur die Audio-Home-Stereo-Version vor. Deshalb also nur dazu.
Das etwa eine Stunde dauernde Stück rauscht. Dann beginnt es zu brummen. Eine zusammengesetzte Soundcollage, Feldaufnahmen, die dem Sichtbaren wohl zusortiert wurden. Ein kunstvoll gewebter Teppich, der von Grün und Blau beherrscht wird. Das Rauschen des Wassers, der Wind, der über das Grün der Wiesen streicht, kleine Hügel, die mittels gezupfter Saiten in die Landschaft geworfen werden, erscheinen, wenn man die Augen zumacht. Das heißt, wenn man um den Hintergrund des Ganzen weiß. Sonst nämlich wär es wohl nur eine Zusammenstellung verschiedener Sounds, die ohne den Kontext nur schwerlich in einen subjektiven gebracht werden könnte. Man wüsste zwar, verfügen wir doch über ein gewisses Maß an Vorstellungskraft, um den Wind oder vielleicht die nach Kuhglocken oder Milcheimern klingenden Sounds, wir brächten uns das dann sogar als ein Bild oder mehrere zusammenhängende Bilder vor Augen, doch wüssten wir nichts um die theoretische Struktur, die Zuordnung von Element und Instrument. Uns käme das Ganze doch wohl eher wahllos vor. Und daran krankt ja so vieles. Gäbe es nicht dicke Bücher zu bestimmten Arbeiten, wir wüssten nicht, was das zu bedeuten hat. Und dabei dachten wir doch, dass sich Kunstwerke selber erklären. Nein, weit gefehlt.
Es, also auch diese Arbeit, scheint hier stellvertretend für das zu stehen, was ohne Zusatz längst nicht mehr auskommt. Vergleichen wir das nur mit z.B. der Documenta. Ein Begleitbuch mit mehreren hundert Seiten, ohne das nicht verstanden werden kann, worum es eigentlich geht … Trotzdem interessant …
Die Ausstellungsversion gibt es in dual-mono, mit einem CD-Player plus Lautsprecher pro Seite, 41 Grad Winkel zum linken, 49 zum rechten Kanal. Die Veröffentlichung beinhaltet auch noch ein Buch: EDGE HABITAT MATERIALS (Chicago: WhiteWalls, 2014). Auch die bereits gezeigte Ausstellung: EDGE HABITAT (Lissabon: Culturgest, 7.6.-14.9.2014) gehört noch dazu …

in: Non Pop by Andrew Korsch

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This is something different all together. I must admit I didn’t understand the cover text very much, but here’s a bit from the website explaining the conceptual nature of this piece: “a map of the latitudes delineating the geographical area where the European – North American history of deforestation and reforestation has played out”, but instead of using field recordings, land is represented by guitar, railroad by a 16mm film rewind crank, deep water by a bass, wind by analog noise generator and filters and rivers by silence. This music is created, I guess, by Helen Mirra and Ernst Karel and lasts exactly one hour. It’s almost an ambient piece, moving very slowly forward and one think, knowing what these instruments stand for, one is on a trip over land and sea (places are listed on the inside cover), but one could what I did: just sit back and listen to all of this, quietly, peacefully. A map dictates the composition and where these things are located one can also try and imagine while hearing this. Or one could try not to imagine anything and enjoy the music. The logic of the composition comes from non-musical elements and may add a slightly random element to the music, but everything is played out here in a very spacious way, with some very minimal changes throughout. It’s a piece of music that works very well; simple but evocative and definitely a bit weird occasionally. Sit back and trip away.

in: In Vital weekly by FdW

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Si rien à faire dans l’heure qui vient, pourquoi ne pas faire le tour du Monde ? En d’autres mots : écouter ces field recordings d’Helen Mirra et Ernst Karel ? Même si, le temps de commander le disque en question… mais passons.

Une heure pile et une heure aqueuse (mais pas que…) pendant laquelle Mirra plaque deux enregistrements de parallèles terrestres sur vos deux enceintes. La pièce d’home stereo, destinée à l’origine à illustrer une installation de l’artiste, couple des enregistrements de terrain avec une guitare, une basse électrique et un générateur de bruits analogique. Rapidement, on ne sait donc plus de quelle nature sont vraiment tous ses bruits.

Mais reste l’impression (pas déplaisante) d’être parachuté et d’assister à sa propre chute. Agréable même, quand on croise ces cordes de guitare qui donnent une autre forme au projet, le propulsent dans le champ de la musique à loops et à décalages. Entre le passage d’un train, celui d’un avion, le bruit d’une cascade ou celui d’un chantier, on déniche un couloir aérien et musical fait rien que pour nous. Son doux nom ? Maps of Parallels !

in: In Le Son du Grisli by Pierre Cécile

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This quasi-documentary land survey in sound is a collaboration between Helen Mirra, a multimedia installation artist frequently given to exploring the theme of human effects on the environment, and Ernst Karel, a sound artist and anthropologist working with sonic ethnography.
The geographical area described in the title is a corridor in North America running east to west and bounded north and south by latitudes 49˚N and 41˚N respectively. The region was once a forest and then was stripped and replanted, its elm trees eventually wiped out by Dutch Elm Disease brought in with imported wood. Over the years, Mirra has depicted the landscape of the area in various ways in art installations; this recording was originally part of a 2002 exhibit at the Whitney Museum.
Like a map representing selected physical features with colors and symbols, the recording represents natural and artificial elements through its orchestration: Guitar for land; bass guitar for deep water; analogue noise generator for winds; silence for rivers; and a film rewind crank for railroads. The hour-long piece is dominated by the near-constant undertow of the simulated wind sounds, with guitar chords in repeated patterns drifting in and out of the mix. A quiet clattering like the sound of steel wheels on a track also comes and goes. The deliberate pace and repetition of sound elements seem to reproduce at scale the slow cyclicality of environmental change through natural and other means.

in: In Avant Music News

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From Portugal’s avant label ShhPuma comes a most unusual project, Maps of Parallels 41N and 49N (ShhPuma 013CD) by Helen Mirra and Ernst Karel. It is an electroacoustic-instrumental work that literally turns space into time.
It is the offshoot of a film Helen Mirra did abstracting the terrain of a map of the world, translating physical features into colors. For the musical version Helen and Ernst Karel map out the world starting at latitudes 41 degrees N and 49 degrees N. The movement across the surface of the earth is reproduced by sounds within a time scale corresponding proportionately to what one encounters when travelling in a straight line. Land is represented by a guitar motif, railroads by a 16mm film rewind crank, deep water by bass guitar, winds by analog noise generator and filters, and rivers by silences.
So in essence we travel the world in sound for 59 minutes. The scale is 10 seconds for every one degree of movement.
And the sound essay places us with durations of sound that shift with the terrain, in an absorbingly stark abstract work which reproduces the world in very concrete ways.
It is a work that fascinates, mesmerizes, and literally puts you on a journey across our planet. This is not something you would whistle coming home from work. It is in the end a very modern-post-modern essay in sound.
Recommended!!

in: Classic Modern Music by Grego Applegate Edwards

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The duo present a series of quiet yet evocative soundscapes that are both a backdrop and a window into along a beautiful journey. “Dream” (written by John Cage) is errielly performed to perfection by Gama. The addition of Fernandes atmospherics heading into the middle passages gives the piece a more transcendent feel than even the original piece.

“Twisted Moments” and “Quest” give the listener a different perspective on the duo. Both provide haunting elements of electronics with subtle melodic tones from Gama. “Twisted Moments” with it’s killer bee swarm of effects is dazzling and probably shouldn’t be listened to outside if you are afraid of the little black and yellow flying creatures.

While “Quest” includes all sorts of found sounds and plucking inside the piano. A creative piece that undulates in various directions all the while keeping very focus on providing a linear emotional experience.

Quest is a solid debut from Gama and Fernandes. Both experimental and traditional with a real sense of adventure and solace that is more than just ambient sounds. I really hope they do another record together very soon. Highly Recommended.

in: Jazz Wrap by Stephan Moore

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The opening track, aptly titled ‘Dream’, could give the listener the impression that he or she is in for a long and meditative album of gentle romantic piano music, but then gradually the landscape changes, first with “From Mist To Nothing’ creating a strange electronic minimal soundscape, punctuated by sparse piano notes, then with “Interlude”, a short track full of distant vibrating shadows of a player piano.

The distant, and almost deep vision into a century old nightmare, continues on “Let Bygones Be Bygones”, an eery piece that might well be used as an alternative to the soundtrack of the bar scene of the movie The Shining. “Night Drive” starts full of quiet romantic expectations, but then it evolves into a psychedelic ride of repetitive electronics, drone and carefully positioned piano chords, going into deeper darkness with ‘Quest”, when you’ve left all genres and dive into an electronic maelstrom, only to re-emerge in a strange universe of “Sparks & Crackles”, on which chime-like piano sounds collide with weird electronics.

Before it ends, the journey goes over the first meditative then eery “This Frozen Sea”, on which the fluid piano notes have been hardened and coldened into layers of nightmarish terror, and “Twisted Movements” surprises you again with its quirky nature, its shifting atmospheres and unexpected finale.

Clearly, this is beyond jazz, beyond rock or classical music, yet merging all of it into something new. Despite this variety, the album has an incredible coherence, and takes the listener to unexpected places.

in: Free Jazz by Stef Gissels

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Elle, Joana Gama, pianiste classique. Lui, Luis Fernandes, connu pour ses expérimentations électroniques sous le nom de The Astroboy. Quest, un album, 8 titres, 44 minutes .

Expérimentale et tendue, voilà deux adjectifs qui collent bien à la musique du duo. Premièrement parce qu’il s’agit d’un échange peu courant et dont le langage reste mystérieux. Tendu ensuite de part l’équilibre entre électronique et piano. Chaque univers concède juste ce qu’il faut d’espace pour permettre à l’autre de s’exprimer mais sans pour autant s’exposer. A l’image des collaborations John Cage / David Tudor et Alva Noto / Ryuichi Sakamoto, les deux artistes portugais explorent des chemins certes nouveaux mais suffisamment éclairés pour ne pas perdre l’auditeur.

Les expérimentations auraient pu rendre ce disque difficilement accessible. Heureusement, les paysages que Joana Gama et Luis Fernandes dépeignent ne sont pas si inconnus et font de Quest une excellente porte d’entrée pour découvrir leurs univers respectifs.

in: Luso Sounds

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Casamento fortuito.
Ela, uma pianista de renome, ele, membro fundador dos peixe:avião e um Astroboy em pleno. O casamento entre Joana Gama e Luís Fernandes deu-se no mítico Theatro Circo e daí nasceu Quest, um estranho híbrido com braços electrónicos e cabeça amavelmente humana, música que vai da suavidade à tensão em poucos segundos: Gama oferece a emoção das teclas, Fernandes a exploração das mesmas através de loops ou dissecações várias. O resultado não é passível de rótulos, apenas de escutas: quarenta e quatro minutos, nove takes cinematográficos cada qual com a sua história.

Um arranque quase-tenebroso em “Twisted Movements” dá o mote para o filme que se desenrola na nossa própria imaginação, milhões de filmes diferentes, tantos quantos aqueles que levarem à letra o aventureiro título do disco. Algo semelhante ao bater de um coração em “From Mist To Nothing”, coadjuvado pelo piano e pelas paisagens electrónicas, assume-se como o momento mais alto de Quest, que de logo dá lugar a bonita limpidez de “Dream” – quase como se este disco fosse, de facto, uma criança (e talvez o seja).

Um pequeno e soberbo interlúdio electrónico precede “Night Drive”, antes que o tema-título se revele em todo o seu esplendor, trazendo de volta a tensão e o êxtase em partes semelhantes, evocando mestres antigos e contemporâneos da electrónica ambiental, dos Tangerine Dream aos Boards Of Canada. “Let Bygones Be Bygones” é quase espacial (Astroboy, indeed) e o disco volta à ansiedade com “This Frozen Sea”. Um disco, ou um filme, emocionantes, como os bons devem ser.

in: Bodyspace by Paulo Cecílio

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A primeira reacção é acharmos que este confronto é moderno, progressista, de ruptura, mas “Quest” apenas reformula o que, por exemplo, já Cage e Tudor tentaram há muito: piano e electrónica. É nesta pesadíssima herança – que no caso deles fará mais sentido que a mera referência histórica – que assentam os princípios desta dupla, encarregue de mostrarem o que tão raro se mostra por cá: electrónica ágil e inteligente em manipulação de subtis composições contemporâneas de piano. Na verdade, o que nos conquista é mesmo este equilíbrio, quase perfeito, entre os dois músicos. Quase se sente que estiveram com igual respeito por esta aventura, avançando com passos seguros e bem dados, sem nunca entrarem por nada que não soubessem descrever-nos. Há momentos lindíssimos, quase oníricos, de suspensão sonora, que soam a clássicos; há alturas em que há um gosto pelo arrojo em explorar os limites dos seus instrumentos, mesmo que isso sacrifique a paz conquistada noutros temas; e ainda há música que transpira intuição, como se navegássemos sem visão. Eles confessam que foi tudo (surpreendentemente) fácil de compor e isso prova que “Quest” é menos a aventura do que sugerem e mais um passeio que também nos convoca. Um bonito e raro passeio por estas paisagens.

in: Flur by Pedro Santos

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Quase como numa mesa de operações, Joana Gama inclina-se para dentro do piano e arrepanha-lhe as cordas como quem puxa tendões e nervos, desenhando uma música tensa entre o silêncio, enquanto Luís Fernandes se serve desses sons extorquidos ao piano para os processar e os devolver irreconhecíveis.

Na mesa de electrónica de Fernandes, assistimos a tudo, a cada movimento cirúrgico, muitas vezes pouco perceptível ou difícil de traduzir nos sons que alternam entre a obsessão circular e sombria (via Satie) e a delicadeza rarefeita. O vídeo, como se verá hoje no Teatro Maria Matos, em Lisboa, existe para ajudar a balizar a abstracção, permitindo destrinçar que, apesar da aridez aparente, a música de Quest é produzida com minúcia, pensada para um efeito em que o belo se apresenta rente ao chão, sem grandes voos, obrigando a focar na simplicidade, no pormenor, na qualidade de sons que se procuram ininterruptamente.

É música assente no encontro entre um piano de postura erudita contemporânea e uma electrónica sem medo de se confrontar e de se definir em função do piano — instrumento sóbrio, intimidatório, capaz de subjugar facilmente todas as notas em seu redor. Faz pensar naquilo que Alva Noto e Ryuichi Sakamoto têm ensaiado com notável cumplicidade. Mas o padrinho oficioso de Quest é John Cage. Chamados a apresentar-se nas celebrações do centenário do nascimento de Cage organizadas em Outubro de 2012 pelo Maria Matos (100 Cage), os dois músicos bracarenses haveriam de encontrar-se na sequência de um primeiro momento de estranheza experimentado pela pianista ao ler o descritivo colocado junto à instalação 33^4 — 1185921 possibilidades para 4 altifalantes: “Luís Fernandes, Braga”. “Mas como é que pode haver um músico em Braga que gosta de John Cage e eu não sei quem é?”. Não é presunção de Gama. Cage não costuma escapar-se muitas vezes para lá das habituais salas do Conservatório Calouste Gulbenkian da cidade. Com amigos em comum, encontraram-se, pouco depois, para discutir uma eventual colaboração entre a associação dela e o festival dele. E no final da conversa, em frente ao Theatro Circo, já em jeito de despedida, pensaram no que aconteceria se a música de um tomasse de assalto a do outro.

Antes que a ideia pousasse naquele lugar onde elas se amontoam e definham lentamente, Luís (membro dos Peixe:Avião e Astroboy na sua vida electrónica solitária) não demorou a dar carne e corpo concreto a uma possibilidade ainda embrionária. Pensando que o Theatro Circo poderia ser o espaço ideal para testar a parceria, dispondo de piano e condições acústicas para a exploração sonora corresponder às necessidades do duo, avançaram com uma proposta: em troca dessa cedência laboratorial, comprometiam-se a pagar a sua estada com um concerto. A direcção aceitou sem ouvir uma única nota e empurrou os dois para o projecto Quest, um conjunto de oito temas próprios e uma interpretação de Dream, peça de Cage em que ela segue a partitura e ele inventa um rasto para as notas. Embora a pianista não estivesse ainda a pensar num lançamento, na cabeça de Luís (também membro da editora Pad) estava já a fervilhar a consumação do encontro. “Quando me meto numa coisa destas não é para experimentar por experimentar”, garante, “mas para levar até algum lado. E tive sempre a ideia de gravar. Nem que fosse para ficarmos com material a trabalhar posteriormente.”

A primeira autoria

Assim, enquanto ensaiavam e compunham a música para o espectáculo no Theatro Circo, gravavam todas as sessões, documentando o processo ao mesmo tempo que percebiam os caminhos que naturalmente se desenhavam à frente dos dois. E há de tudo — da fantasmagoria com que arranca o disco em Twisted movements à chuva de notas crepitosas do piano no inebriante Sparks and crackles e aos círculos desenhados pelas mãos de Joana Gama através de motivos melódicos simples e que se desenrolam sobre os mantos de Luís Fernandes, próximos de batimentos cardíacos e de ventos pesados, nocturnos. Enquanto criavam este mundo, tocante na sua construção em torno do silêncio, Joana resistia ainda a acreditar que daqui pudesse nascer um álbum. “Foi a primeira vez que fiz uma coisa autoral”, confessa, acrescentando que há escassas semanas se inscreveu na Sociedade Portuguesa de Autores, uma vez que a sua prática era, até agora, a interpretação de música escrita, com predilecção por autores contemporâneos, fora do cânone, menos desgastados por tanto dedo nas suas obras. “Tenho feito várias coisas fora da música clássica com dança e teatro, umas musiquinhas com amigos, mas nunca tinha feito algo do nada. Tinha um bocado de receio do que podia sair, mas estava bem acompanhada.” “A Joana vem de um campo mais clássico, não lhe faz tanto sentido compor”, contrapõe Luís. “Talvez eu, pelo contrário, banalize isso.”

Para o encontro foi determinante a curiosidade natural pelo universo alheio. Luís confessa ter em Arvo Pärt e Steve Reich, por exemplo, autores de referência. “Mas tenho mais curiosidade até em ler sobre eles porque gosto de perceber como a música evoluiu no século XX, na área da composição, e porque gosto de dar mais fundamento às coisas que componho”, acrescenta. Joana deixa-se com frequência seduzir pela relação da música com outras disciplinas — trabalhou com o Útero, com a coreógrafa Tânia Carvalho e com o realizador João Botelho. A partir daí, estipularam apenas uma regra: “fugir do Noto/ akamoto”. Porque são fãs o suficiente da dupla para recear seguir por atalhos e não à descoberta dos seus próprios trilhos.

Depois desse enunciado simples, a música desenrolou-se sem atropelos nem grandes conversas e só emperrou no momento de baptizar os temas: alguns futebolistas do Benfica — Neno, Poborsky, etc. — foram títulos provisórios. Aos poucos, com o projecto a buscar no padrinho John Cage o nome Quest, estabelecendo o perímetro exploratório da sua criação, tudo foi ganhando um sentido para lá dos futebóis e fixou-se uma linguagem de deslumbrantes possibilidades. Tanto que, numa recente visita a Nova Iorque, Joana deu por si a gravar o som de umas escadas rolantes em Brooklyn e a pensar na música que ali se prenunciava. Não admira — muito em Quest segue este mesmo movimento de loop, em que o fim se confunde com o início.

in: Público by Gonçalo Frota

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Um piano e electrónica . O piano de Joana Gama, artista de vertentes mais eruditas e a electrónica de Luís Fernandes, senhor que conhecemos dos Astroboy ou Peixe : Avião.
A junção pode parecer estranha. Mas não é. E também não é novidade se nos lembrarmos de John Cage e David Tudor e Alva Noto e Ryuichi Sakamoto.
Como não podia deixar de ser a experimentação está muito presente em “Quest”. As coisas não são lineares. Os dois artistas subvertem aqui conceitos. Este não é um registo erudito, nem um disco de electrónica pura. Em grande parte do disco temos sons de piano manipulados, subvertidos e em loop. Esta vontade de não querem fazer as coisas da forma mais simples torna este disco mais saboroso.
“Quest” vai criando ao longo do seu trajecto várias tensões. É um disco que funciona na perfeição para a banda sonora de um qualquer filme de suspense que possamos imaginar na nossa cabeça.
Como poderá por ventura parecer, devido à forma como foi criado e pelos seu lado mais digital, este registo, não é frio e distante. Tem um lado muito ambiental que em grande parte das suas 10 músicas, passa muito rente ao nosso corpo.
“Quest” é um feliz encontro entre dois excelentes artistas, cada um na sua área, que souberam encontrar uma forma muito feliz para casar o seu talento. Tudo aqui está na doze certa, sem resvalar para campos que possam ser muito adversos ao nosso ouvido. Contudo, este não é um disco totalmente fácil. “Quest” é uma obra que se desbrava com puro prazer.
E apesar de ser um registro que aparece assinado pelo nome de cada um dos que nele participa, o disco ganha pontos porque ele funciona como se fosse um duo a criar cada uma das canções. Ninguém aqui brilha mais que ninguém.
Agora, o importante é entrar dentro de “Quest” sobrevoar o seu som e no fim aterrar suavemente deste voo. E atenção, que viagens destas são para repetir, quantas mais vezes melhor.

in: Santos da Casa by Nuno Ávila

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á coisas quase inexplicáveis. Só explicáveis pela força que a música, pela força que aquela harmoniosa – ou não – combinação de sons, exerce sobre nós. E nem os dias são todos iguais. Há dias em que tal força nos trespassa como se fossemos seres vazios, já noutros, parecemos sacos de encher cambaleando pela força de tais sopapos sonoros. Hoje, é um destes dias.

Desembrulhada a peça, de título “Quest”, a surpresa foi grande. Não tanto pela sua extrema originalidade, já se sabe que combinar piano e electrónica não é algo de tão novo, mas sim pela magnitude e extremo bom gosto dessa combinação. O facto é que o piano de Joana Gama aliado à electrónica de Luís Fernandes, músico de The Astroboy e Palmer Eldricht, mas também de peixe : avião, nos oferecem um disco subtil, mas de uma forte e palpitante carga quimérica. É fechar os olhos e seguir as ondas da imaginação, da imaginação e do sonho. Mas mais extraordinário, é a forma equilibrada como o piano e a electrónica nos guiam nessa aventura; sem exageros de estilo; sem atropelos; sem fraquezas. São fantásticas paisagens electroacústicas.

in: A Trompa by Rui Dinis

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in: Público by Gonçalo Frota

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Survival Records, October Revolution in Jazz, Tzadik and The Stone, Studio Rivbea, Jazz Composers Guild, El Saturn Records, Company Week and Incus, Mopomoso, Debut Records; there is a well established precedent of Free music practitioners having to create their own opportunities for exposure. Thurston Moore offers an alternative to this template. Sure, he has established his own record label, and helped curate concert series and festivals. But where his contribution really differs is in the profile he has within mainstream culture, and the manner in which that platform has been used to espouse the merits of what interests and informs him. A staunch champion of Free music, Moore once claimed to be interested in “playing with anyone” which has lead to countless ad hoc groupings with less-than-household names (as well as many of the cream of the current Free Improvisers). In addition to which, many of his recordings have been issued by small independent labels, affording them increased visibility often outside of their usual demographic.

With the release of this live set recorded in Lisbon, Moore has killed both these birds with one stone. Saxophonist Pedro Sousa (Pão) and drummer Gabriel Ferrandini (Red Trio) have been rightly lauded on these pages, and whilst their names are not entirely unfamiliar, this release affords them both individual attention and an opportunity to step out from behind the relative anonymity of their band’s names. Similarly, fledgling Portugese label Shhpuma, baby brother to the excellent Clean Feed, now has its own turn in the sun.

According to the label’s promotional spiel, during pre-gig discussion the trio had agreed they would “play soft, focusing on the details”. They do not keep to this plan for long. Ferrandini and Sousa are straining at the leash almost from the off, the saxophonist’s overblown textures keening to erupt, the drums verge on bubbling over, seemingly trying to goad the guitarist into following. Moore, so often the noisenik in these situations, is the coolest head, playing the long game like an old master. He keeps pace as the others race ahead without being fully drawn into the fray, calming the initial impetuousness with languid feedback lines. In so doing, part of the game plan remains intact and textural ‘detail’ becomes the foundation, albeit roughly hewn rather than ‘soft’.

Texture is Moore’s stock in trade and the grumbling low-end smears of Sousa’s tenor and baritone work well in this context, furthered by the gritty electronics he deploys which often shadow or add surface detail to the contorted guitar lines. Ferrandini interjects serrated accents amid his propulsive percussion, often coalescing around the more knotted clamour as inertia pulls inextricably toward the red. The trio play with this sense of tension for the duration of the set, on countless occasions the heat their momentum generates seems certain to fully ignite and finally submit to its incendiary potential. However, even at its most scorched it feels like a controlled burn, with a large depth of field to the dynamics.

This inaugural encounter smoulders with potential and suggests more to come should the trio ever be reprised. Moore is on a fine run of form at the moment, as this blog will attest. Long may it continue

in: Free Jazz by Matthew Grigg

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Por estes dias, Lisboa já é uma das cidades no mapa de Thurston Moore. O fim, quase silencioso, dos Sonic Youth fez com que os seus membros se fragmentassem por discos, colaborações e geografias várias, e na nossa capital temos tido a sorte da Zé Dos Bois ter conseguido aglutinar algumas dessas peças. Thurston Moore, uma das visitas mais regulares, ofereceu, em 2012, um concerto na celebração dos 18 anos da associação, fruto de uma pequena residência. A liberdade do rock, de quem Moore tem sido também um esteta tímido mas activo, encontrou-se com a energia atómica da bateria de Gabriel Ferrandini e a invenções patenteadas dos sopros de Pedro Sousa. Ao primeiro take, claro, saiu este “Live At ZDB”, como testemunho do encontro e da generosidade dos músicos – para quem assistiu ao vivo e para com eles próprios. Entre a procura dos detalhes e o voo livre assistido do jazz, furioso e aventureiro, este é um documento (limitado a 300 cópias) importante para todos – incluindo a Shhpuma, naturalmente -, mas é um documento muito importante para nós, pelo modo como nos empurra para coisas, todas elas boas e positivas.

in: Flur by Pedro Santos

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Thruston Moore, Pedro Sousa, Gabriel Ferrandini – “Live at ZDB” / Com Thurston Moore (guitarra elétrica), Pedro Sousa (saxofones baritono e tenor, eletrónica), Gabriel Ferrandini (bateria, percussão). Inevitável: free rock e free jazz a cruzarem-se num caminho, pois o conceito “free” é universal e unificador e, como bem sabemos, rock e jazz são ramos de uma mesma árvore blues. Vários exemplos podem ser encontrados, mas este é muito especial: dois jovens conhecidos em Portugal (e já no exterior) pelas suas abordagens no free rock e free jazz unem forças com um dos pioneiros e ícone da liberdade musical. Pedro Sousa e Gabriel Ferrandini, respectivamente membros dos projetos Pão e Eitr e do Trio Red and Motion Trio, juntam-se com Thurston Moore, fundador dos lendários Sonic Youth e atualmente mentor Chelsea Light Moving. Este LP foi gravado ao vivo, em Lisboa, e é o resultado de uma soma eletrizante de três interpretes que levam o conceito “free” muito mais além do imaginável, com as sensações “live” bem gravadas. A ter de conhecer.

in: Mutante Magazine by Sara Quaresma Capitão

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in: Avant Music News by Daniel Barbiero

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Simão Costa joue certes seul, mais ses instruments sont multiples : piano, enceintes, transducteur et objets. Parvenant à sortir de belles lignes de l’usage qu’il fait de feedbacks, son jeu au piano est d’un conventionnel qui ruine ses découvertes électriques. Et lorsque ses structures grondent, elles s’effritent et laissent paraître leurs canevas simplistes.

in: Le Son du Grisli by Bernard Bouquet

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O título, convenhamos, envolve um misto de sedução e resistência. Ora tomem nota, por favor: π_ANO PRE.CAU.TION PER.CU.SSION ON SHORT CIRCUIT.
Entramos num país de língua desconhecida. Ou melhor, em que sentimos a língua em processo de laboriosa e íntima fabricação: Simão Costa trata o piano como um objecto não necessariamente “pianístico”, vogando numa paisagem que John Cage, et pour cause, ajudou a povoar — ou a despovoar, o que vem a dar no mesmo. O resultado faz-nos sentir as mãos do músico, tanto quanto as entranhas de computadores cúmplices da criação de harmonias agrestes e, se a palavra não ofender, paradoxalmente líricas. Aqui ficam cerca de oito minutos de um álbum fascinante, monumental, metafísico e visceral, não necessariamente por esta ordem.

in: Sound + Vision by João Lopes

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Pare, escute e olhe.
You listen what I hear, especifica Simão Costa antes de colocarmos o CD de π_ANO… na aparelhagem. O novo trabalho do músico, editado pela Shhpuma, coloca-nos desde logo uma questão interessante: o que significa, ao fim e ao cabo, “ouvir música”? Captar uma melodia, uma letra, ou até mesmo um erro com os nossos próprios ouvidos? Prestar atenção a cada detalhe e cada gesto, reconhecer e desfragmentar cada pedacinho de som? Embrenharmo-nos a fundo naquilo que a posteriori reconhecemos como sendo “a música” e rejeitar qualquer som que venha de fora dessa, ora num concerto ou numa audição caseira, em colunas ou headphones?

Seja qual for a definição que escolhermos, todas elas partem do mesmo princípio – o de que somos nós próprios a ouvir essa música, com os nossos próprios sentidos e a nossa maneira, sempre individual, de percepcionar aquilo que se passa. Com π_ANO… é diferente; escutamos aquilo que Simão Costa escuta, o que captamos é o que ele captou enquanto gravava. Não é um disco, portanto, que possa ser ouvido como qualquer outro disco. Há que primeiro vestir a pele de outrem, rejeitar por uma hora as nossas concepções daquilo que é “escutar” ou sequer “música”…

Para além do debate filosófico, π_ANO… é um álbum difícil até mesmo dentro da música mais “ousada” – porque é um álbum vivo e não um objecto sonoro estático, porque ouvimos o músico a mexer-se enquanto modifica computadorizadamente o som, enquanto toca ao de leve no seu piano, enquanto um e outro timbre nos atravessa o cérebro viajando em metal. Difícil porque não o conseguimos domar por nós próprios, porque é liberto e selvagem. Porque não o conseguimos tornar “nosso” como tornamos um e outro disco, uma e outra canção. Difícil e fascinante pelo mesmo motivo. A liberdade passa certamente por aqui.

in: Bodyspace by Paulo Cecílio

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in: Classic Modern Music by Grego Applegate Edwards

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Eduardo Raon já fez parte do Powertrio, com Joana Sá e Luís Martins (que também já editaram em duo e, no caso da primeira, a solo pela Shhpuma). Nesta sua obra em nome próprio, explora um universo insectóide. Nos últimos meses tem sido viral uma peça que reduz o tempo de uma gravação de cigarras a “cantar” o número de vezes necessário para equiparar a esperança média de vida destes insectos à humana, sendo o alegado resultado muito semelhante a um coro humano tal como estamos habituados a ouvir. Se essa peça, do compositor Jim Wilson, humaniza os insectos, a obra de Raon vai no sentido de insectizar as pessoas, na medida em que explora uma aleatoriedade impulsiva.

Recriando estes pequenos seres electroacústicos, o harpista afasta a natureza humana da racionalidade, dando possíveis pistas para o modo de sentir a (sua) música. “On the Drive for Impulsive Actions…” é um disco que nos contagia como um todo e no fim questiona-nos com um “o que é que se passou aqui?”.

in: Jazz.pt by Bernardo Álvares

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With its timbral versatility and expansive range of tones, the harp is an instrument well-suited to avant-garde and experimental music. Like any other string instrument—but perhaps even more so—it can be prepared, struck, plucked, bowed and otherwise played in any number of conventional and unconventional ways. On this new release from Shhpuma harpist Eduardo Raon covers a gamut of approaches to the instrument, retaining its natural voice at times and at other times modifying its sound not only with a repertoire of extended techniques but with extensive electronic manipulation as well. Raon, a native of Portugal now residing in Ljubljana, creates an eclectic if sometimes fragmentary sound world with the twelve tracks presented here. But no matter what kind of sound modification is used, the focus stays on the acoustic properties of the harp in all of their dimensions. Field recordings of cicadas and laughter round out the imaginative set of sounds Raon assembles.

in: Avant Music News

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in: Free Jazz by Stef Gissels

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No panorama musical português contemporâneo a obra de Joana Sá, pianista, improvisadora e compositora, constitui um dos exemplos mais originais de junção de várias estéticas, sendo o seu percurso um dos mais singularmente coerentes. O seu último projecto,“Elogio da Desordem”, um monólogo construído a partir de vários textos de Gonçalo M. Tavares, para piano semi-preparado, instalação de campainhas e sirenes, voz, toy piano, caixas de ruído, mini amplificação, tubos flexíveis e harmónio, foi já apresentado várias vezes em Lisboa, no Centro Cultural de Belém durante o Festival Música Viva 2011 (estreia absoluta) e no passado dia 4 de Outubro no Teatro Maria Matos – uma versão estendida com projeções vídeo da autoria de Daniel Costa Neves e Pedro Diniz Reis. Recentemente esta peça foi também publicada em CD numa edição “artesanal” da Shhpuma Records / Trem Azul.
Ultimamente Joana Sá tem-se dado a conhecer aos públicos portugueses e internacionais através de projectos a solo, como “through this looking glass” inspirado no imaginário de Lewis Carroll, ou em duo com Luís José Martins (um dos seus parceiros no PowerTrio) no projecto “Almost a Song”, também editado pela Shhpuma Records, em que a atitude musical vanguardista dos intérpretes se junta à intenção de “agradar ao ouvido”. Talvez seja esta afirmação a chave para a compreensão do sucesso artístico e da estética de Joana Sá. Muitas das influências que lhe podemos atribuir, digamos do experimentalismo de John Cage até à estética do chamado “pop alternativo” de Björk, quando filtradas pelo seu temperamento criativo, ganham uma voz inconfundível em que a abstracção da música vanguardista atinge uma dimensão muito pessoal e “humana”.
“Elogio da Desordem” é uma obra de cerca de 45 minutos que se desenvolve em 7 partes: “Abertura”; “Hierarquia da loucura”; “Fraqueza dos sólidos”; “Tudo o que é claro tem uma parte escura (canção de embalar)”; “Elogio da desordem”; “Realidade, imaginação – (método para não ficar louco)”; e “A queda elegante”. Os excertos de textos de Gonçalo M. Tavares, interpretados por Rosinda Costa, provêm de várias obras deste autor escritas entre 2009 e 2013 (“animalescos”, “O Senhor Swedenborg e as investigações geométricas” e “Uma viagem à Índia”). A sua organização numa espécie de narrativa define a rigidez formal da música e constitui o ponto de partida para este monólogo sonoro, cuja força se contém na ambiguidade e na incapacidade de dar respostas óbvias e vulgares.
Certamente, o papel central neste triálogo, texto – música – vídeo, pertence à pianista que sozinha no palco, contudo, rodeada por diversos emissores de som construídos por Luís José Martins (campainhas e sirenes) e André Castro (caixas de ruído), desenrola perante o público o seu monólogo, cujos gestos sonoros interpretam, deformam, filtram ou enfatizam o que nos diz Gonçalo M. Tavares: “Está um louco ao piano e toca como um pianista amestrado, dão-lhe medicamentos de tempos a tempos, pois o bicho pianista é muito violento…”. O imaginário sonoro de Joana Sá é composto por contrastes – por um lado encontramos aqui momentos concentrados, contidos, efémeros, quase “líquidos”, como se fossem reminiscências do ciclo das “Sonatas e interlúdios” para piano preparado de John Cage ou da sua ingénua “Suite for Toy Piano”. Por outro lado há instantes, como a 5ª parte (aliás, a titular, “Elogio da desordem”), em que a energia se liberta através da repetição obsessiva de ritmos, gestos abruptos, clusters, ruídos, sons de campainhas e sirenes, acumulando-se num género de dança desequilibrada, numa apoteose da desordem e loucura. 
O que é particularmente relevante na linguagem de Joana Sá é a junção de várias componentes que contribuem para a criação de um universo sonoro coerente e penetrante – do piano semi-preparado, em que a pianista adapta a técnica de colocar imãs nas cordas do instrumento, introduzida pela primeira vez pela compositora e intérprete brasileira, Michelle Agnès; do carácter “defeituoso” e noise da electrónica realizada por Hélder Nelson; e das já mencionadas instalações de campainhas, sirenes e caixas de ruído – uma espécie de “música primitiva”. Todos estes ingredientes tornam o “Elogio da Desordem” excepcionalmente rico ao nível sonoro, e fazem com que é possível rever, reler e reouvi-lo de vários pontos de vista, especialmente quando temos em consideração os textos e a componente visual. No espectáculo, esta última, conjuga particularmente bem com a camada musical pelo seu carácter abstracto e monocromático, e pelas geometrias que parecem ser rastos de uma realidade sombria da época pós-vídeo.
O novo projecto de Joana Sá é uma espécie de manual artístico, em que a desordem nos é apresentada nas suas várias facetas, seja ela mental, espiritual ou física. O seu sucesso artístico reside certamente na capacidade de transmitir “subcutaneamente” as emoções e ideias no limiar da sua definição, de se mover entre o abstracto e o concreto, através da simultaneidade do texto, da música e do vídeo. Do ponto de vista mais simbólico o “Elógio da Desordem” parece tratar da liberdade artística na sua oposição às restrições sociais, culturais e estéticas, ou simplesmente ao senso comum preponderante que limita a criatividade. Talvez os trechos da música mais contidos e efémeros, em oposição à já referida dança violenta e apoteótica da loucura, constituam uma (não)expressão das ideias sombrias e emoções intensas que, numa reacção de introversão, nunca chegam a concretizar o seu esplendor na luz do dia. “Nele, no louco, encontraram a posição certa entre a medicação e o mundo para que cá para fora não saia raiva nem violência nem desordem nem desacerto, mas simplesmente o dó ré mi, o que é excelente.”

in: Mic by Jakub Szczypa

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Die wundervolle, so geheimnisvoll wie abstrakte Musik, die Joana Sá auf ziemlich schwer zugänglichen Alben wie Through The Looking Glass, eine sehr freie Adaption Lewis Carrolls, mit Reverenzen an Robert Schumann und Literaten der Moderne, oder Almost A Song, mit dem Gitarristen Luís José Martins dem geneigten Zuhörer bescherte, findet auf dem aktuellen – Elogio Da Desordem – seinen, mit Sicherheit nur vorläufigen, Höhepunkt an mysteriöser Verzauberung. Die Adaption/Kombination/Einbettung diverser Texte des momentan wohl interessantesten literarischen Allrounders Lusitaniens Gonçalo M. Tavares – Rosinda Costa zitiert Fragmente aus animalescos, o senhor Swedenborg, investigações geométricas, um viagem à ´India – in die spröden Pianokompositionen üben eine unwiderstehliche Faszination aus. Sá erforscht das semi-präpariertes Klavier auf der Suche nach dem idealen Klang zwischen Lärm und Stille und konfrontiert/ergänzt das Instrument mit einer Sirenen/Glocken-Installation, Toy Piano, Harmonium, Tubes und Noise-Boxes. Auch die Texte sind nur ein Bestandteil des großen Ganzen und vollständig in die Komposition eingebettet, wie auch die Kategorisierungen wie Pianistin, Improvisatorin, Komponistin aufgehoben werden.

in: Mikro Wellen
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Nas mãos de Joana Sá, o «Elogio da Desordem» é uma anarquia ordenada para piano semi-preparado, instrumentos improvisados e palavras de Gonçalo M. Tavares.

Poucos se lembrarão mas numa outra vida Joana Sá foi baixista de uns Pinhead Society que estavam para os anos 90 como as Pega Monstro para hoje. Havia potencial mas o excesso de entusiasmo de alguma imprensa fez ricochete.

Quinze anos depois de «Kings of Our Size», Joana Sá é uma pianista entregue a uma linguagem erudita em que as teclas compõe parte de uma narrativa caótica submetida ao livre arbítrio da improvisação.

«Elogio da Desordem» faz parte de um quadro maior que aceita textos de Gonçalo M. Tavares interpretados em registo de desespero urbano e uma panóplia de instrumentos adoptados como alarmes, sirenes e campaínhas.

Ferramentas que sublinham a urgência expressionista de Joana Sá que neste monólogo para piano semi-preparado incita à inquietude sem precisar de se socorrer de soundbytes.

in: Disco Digital by Davide Pinheiro

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A música de Joana Sá tem sido classificada de imprevisível. Nesta sua nova edição – a segunda na Shhpuma, uma subsidiária da editora de jazz Clean Feed – Joana mantém essa imprevisibilidade. No centro de tudo está o piano, sim. Mas não é um piano qualquer. É um piano oriundo da música erudita contemporânea, mas que abraça a improvisação. Esta não é uma improvisação idiomática que possa evocar o jazz, o free jazz ou mesmo a improvisação livre. Estamos aqui perante um universo original, sem paralelo.

Depois de “Through This Looking Glass” (2010) e “Almost a Song”, este com Luís José Martins (2012), Joana Sá regressa ao trabalho a solo. Não se trata, porém, de um solo absoluto. É Joana quem manipula quase todos os instrumentos e objectos, mas este disco conta ainda com o contributo da voz de Rosinda Costa. E Joana também usa textos de Gonçalo M. Tavares: é deles que a voz de Rosinda se serve.

Mas é sobretudo o piano – preparado – que está no centro de tudo. A este junta-se um conjunto de estranhos objectos para formar uma sonoridade única, um universo sonoro irrepetível. Joana refere-se ao resultado como um «monólogo interior». Sem querer contrariar a autora, que conhece a sua música melhor do que ninguém, o que se ouve em “Elogio da Desordem” lembra mais um diálogo: faz perguntas e dá respostas, numa contínua interligação.

O título pode enganar, a música não vive da desordem, assenta numa forma estruturada, embora a sua aparente imprevisibilidade o esconda, como manto de nevoeiro sonoro. Por vezes ouve-se apenas o curioso sibilar dos objectos, em outras ocasiões chega-nos o contraste do piano, através da clareza de algumas notas límpidas. Em alguns momentos ouve-se a junção, essas duas camadas sobrepostas. Pelo meio, a voz vai surgindo, quase fantasmagórica, enchendo um ambiente de alta tensão.

Esta música agita-se, cresce, perturba, emociona. Convoca diferentes estados de alma, e fá-lo com uma permanente elegância. Para esta desordem só sobra o elogio.

(Sobre este disco, e para além da música, refira-se ainda a qualidade do packaging e do design. Este aspecto é normalmente pouco explorado, mas no caso presente o objecto físico só por si vale a atenção.)

in: Jazz.Pt by Nuno Catarino

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Foi o homem que inventou a linguagem. E poderia ser esta, neste disco, o alvo principal de elogio: em primeiro lugar a linguagem falada, a palavra, a prosa de Gonçalo M. Tavares aqui explorada enquanto um som – ou enquanto vários sons, oriundos de vários textos lidos; e, em segundo, a linguagem musical muito própria de Joana Sá, anarquicamente ordenada, ao mesmo tempo selvagem e rígida, turbilhão de pensamentos vagueando pelo éter co-adjuvados por piano semi-preparado, caixas de ruídos, electrónica e amplificadores.

Foi o homem que inventou a linguagem, uma linguagem que se aprende ainda a garganta não lhe sabe atribuir uma voz. Em Elogio Da Desordem, aprendemos não a falar mas a escutar, aprendemos a esperar pelo momento inesperado – e a filosofar sobre tudo isto -, aprendemos que a música pode tornar-se literatura e a literatura música (o booklet em que se insere este CD é um verdadeiro mimo nesse aspecto), aprendemos que a afasia existe até enquanto material sonoro. É um disco difícil; mas há que lê-lo e compreendê-lo de trás para a frente antes de efectuar quaisquer juízos de valor.

O objectivo de Elogio Da Desordem é a liberdade e a surpresa, e consegue-o de forma irrepreensível – em momentos a liberdade é terna, captamos uma melodia agradável ao piano, as brincadeiras em toy piano recordam-nos outros tempos; em momentos segundos assusta-nos de tão fiel a si mesma, campainhas e ruídos diversos sob o sussurro da compositora declamando. Joana Sá elogiou a desordem, nós elogiamos-lhe este trabalho – e dizemo-lo assim porque foi o homem que inventou a linguagem, mas também a simplicidade. Para ler e reler.

in: Bodyspace by Paulo Cecílio

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Elogio da Desordem é uma anarquia ordenada e circular em torno das palavras escritas por Gonçalo M. Tavares. Um piano semi-preparado e instrumentos improvisados são as ferramentas usadas para sublinhar a urgência expressionista de Joana Sá que neste monólogo incita à inquietude sem precisar de se socorrer de soundbytes.

É uma exploração meticulosa e atonal em forma de caos urbano que corporiza em notas os ruídos dos carros, o trânsito parado e as tragédias na rádio. Tudo aquilo que nos pode demonizar é usado por Joana Sá para construir uma peça supra-realista e pandémica.

in: Mesa de Mistura by Davide Pinheiro

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This columnist has had the pleasure of covering the music of Joana Sá before. Today, another: Elogio da Desordem (In Praise of Disorder) (Shhpuma 006). It is subtitled “Interior monologue for semi-prepared piano, bells, sirens, voices and…”. And that it is. Ms. Sá is a growingly important presence on the Portuguese avant landscape. She makes music that has the momentum and spontaneity of improvised new music, yet there is a composed structural element that continually frames the music and evokes interrelated sound worlds that work together to inscribe a particular poetic state onto the moment.
It is especially true of the suite of movements contained in the present recording. Through use of a piano whose strings have been prepared with various objects within a particular range of notes, through the use of sirens and bells that punctuate the affect of certain passages with the sound of a symbolic sort of alarum, through various amplified noises (“noise boxes”) (which come off as electronics, as that they are), through bowing and other unusual ways of sounding the piano and the appearance of a toy piano and a harmonium at times, through periodic recitation (by Rosinda Costa) of texts by Goncalo M. Tavares, a set of special moods are created, filled with vivid sound color and pianistic avant-virtuosity.

Joana’s music has a flow to it that after hearing a few times seems unique but somehow appropriate. The music has a natural quality that is ultra-modernistic nonetheless. What strikes me in her music, especially here, is the mastery of avant techniques harnessed to a sureness of purpose that brings together aspects of the classical avant and the free-improvisatory schools. All clearly and movingly holds together as compositional.

I am especially impressed with how this music after several hearings continually stimulates the hearer’s imagination with a master sound-painter’s expert touch and larger vision. Nothing sounds random and yet there is continuous sound-invention without much at all in the way of repetition.

In Praise of Disorder has a monumental elocutionary eloquence to it that puts it on rarified turf. Anyone with an interest in the avant garde today should listen closely.

in: Gapplegate by Grego Applegate Edwards

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One One of best new discoveries of this year. A highly original Portuguese composer-pianist who weave abstract musical textures, poetic texts and images into a mesmerizing work. Check also on this label another exceptional album of Sá with guitarist Luís José Martins, Almost a Song, a collection of loose recipes that may be, and most likely may not, songs.

in: All About Jazz NY by EYAL HAREUVENI (Best of 2013 list)

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A celles et ceux qui furent hypnotisé(e)s par l’entêtante musique du Tabou de Miguel Gomes, on conseillera vivement cet Elogio da desordem. Parce que multi-facettes (musique de films, improvisation, concertos pour piano de Cage…), Joana Sá captive. Après l’écoute de cet enregistrement solo, nous pouvons rajouter : envoûte.

L’univers de la pianiste portugaise est ample, infini. C’est un royaume de mélanges et de fusions. Les voix s’imbriquent. Elles chuchotent, murmurent. Le piano est anxiogène ici, éclaté ailleurs. Il sillonne la rafale, s’interrompt brusquement. Il est violence et ne s’approche que de très loin de la douceur. On pourra refuser cette tentation du brouillage. Ou s’abandonner à sa perte. Comme un cauchemar, les tensions s’amplifient, gomment le jeu de la pianiste. Ici, l’on grésille, l’on grignote et l’on abîme l’évidence. Ici, sonnettes et sirènes aiment à faire sursauter l’auditeur. Ici, le désordre se consomme large et sans prudence. Et l’on aime cela. Passionnément, intensément.

in: Le Son du Grisli by Luc Bouquet

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Residing in Rotterdam Portuguese Hugo Costa ( alto sax ) and Gonçalo Almeida ( electric bass and better known of the Lama trio ) made an alliance with the German drummer Philipp Ernsting and debut album A Descent Into The Maelstrom appeared when mounted under the wings of Clean Feed Shhpuma label . That record makes a good half hour for a smart oscillation between impressive power and dazzling inventiveness .

The first reference that thought, it is probably Zu , though it tends more towards the older records of the Italian trio , when the mobile free jazz madness still took the top jazz metal. That Costa plays a lighter sounding alto sax , is also of course for something in between . And for the rest , you can compare it to a whole series of bands in the area: more metal than The Thing or Cactus Truck, less chaos than The Flying Luttenbachers, Gustafsson some projects here and there with the straight – to – the – raapse swing of the Belgian .

But there is a lot happening here . From opener ” Nautilus ” , which from menacing noise puts an epic soundscape on legs , it is already clear . Long saxlijnen provide an expansive mood ( as it all seems to be attractive ) , to an ever more astonished , almost emotionally distraught tenor from arising , whining in red , backed by thunderous basgeweld and a drummer you all the corners of the room shows , with ultimately a more straightforward catharsis in the final. Pretty punishment headphone feed.

With ” Maelstrom ” and ” Aphotic Zone ” which is somewhat similar course pursued ; The first still from sputtering electronics and screeching excesses to a tough final with a monstrously heavy grinding bass , the second with a tumultuous start that turns into a subdued abstraction with jagged bass effects , a percussive shadow dancing and crying sax serenade , to get to the end again violently boiler noise of a Weasel Walter . Exciting, miljaar , so exciting .

The other three tracks are shorter and tend to be easier to absorb . The staccato pumping ” Deep Trench ” searches the Amphetamine Reptile between noise rock and [ Sic ] , while the start / stop dynamics ” Vampyroteuthis Infernalis ” the madness of Painkiller to enter the field of Mannheim . Angular revolving turbo rock with a massive ripping sax on it . ” Albatrossia ” comes almost as an accessible valve with a rocking rhythm section , but also the last time , there is increasing colored outside the lines to arrive at screeching noise . Using jet-black tone sweep

That makes everything from A Descent Into The Maelstrom a challenging and compelling record, which shows us that the genre we call convenience jazz core is still alive , though there is here a bit stronger stared into jazz and freak element than the more rock -oriented bands . Nevertheless, this is a band that fans of extreme crack work can only unite .”

in: FreeJazz by Stef

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Today the new Clean Feed batch has arrived, and we’re still struggling to get some of the previous releases reviewed. This album comes from Shhhpuma, the Portuguese label’s side project, now featuring Albatre, a sax trio that brings us a refreshing and modern new sound.
The trio is Hugo Costa on alto sax, Gonçalo Almeida on electric bass and German drummer Philipp Ernsting, but their take on jazz is anything but what you can expected. It sounds like the grunge version of jazz, with heavy moments of raw violence alternated with quieter melodic moments, like a mixture of Zu with Jim Black’s Alasnoaxis.
Bass and drums come with all the anger and energy of a rock or punk band, while the alto screams and wails full of distress and agony like only a sax can in the best of free jazz modes. The music is raw, direct, without embellishments and needless decoration. This is straight-in-your-ears power jazz, but then of the clever kind and with depth.
A Descent Into The Maelstrom … indeed!

in: Enola be

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Today, another volume in the adventurous Shh Puma series of avant recordings overseen and manufactured by the makers of Clean Feed. It’s a good one. The trio at work on this program is Albatre. The disk is entitled A Descent into the Maelstrom (shh puma 005).
Albatre is a rather explosive grouping of Hugo Costa on alto sax and loops, Goncalo Almeida on electric bass and effects, and Philipp Ernsting, drums and electronics.
This is out, very edgy music with a pronounced electricity. It has the power of avant metal though it isn’t quite that. It is highly energized avant free jazz-rock on the fringes. Hugo Costa warbles, screeches and blasts his way through walls on the alto. Goncalo Almeida hits the bass full-force and gets the power of hard and furious playing with the judicious aid of effects. Sometimes he sounds very guitar-metal like, sometimes it is a bracing set of low-frequency barrages, but it’s good. And Phillip Ernsting hits the drums on all-fours, bashing, thrashing and weaving in and out of time. He also provides washes of electronics which add to the tumult.
Now I know there are some that might not appreciate this music. But hey, some of what I cover is not for the unwary, and so this fits right in with those sorts of recordings. It does it excellently, flat-out, with no attempts at commercial amelioration whatsoever. A first-rate avant blow-out! Recommended if you dig the interface between free jazz and metal thrash. Yeah!

in: Gapplegate by Grego Edwards

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Da Europa tem vindo intensas variações do que podemos chamar de jazzcore. O trio Albatre é uma das novas surpresas nessa seara, tendo em sua base dois instrumentistas portugueses – o baixista Gonçalo Almeida e o saxofonista Hugo Costa – aliados ao baterista alemão Philipp Ernsting. Embebidos por energia e urgência que desvelam influências tanto do free jazz quanto do rock, o trio montou sua base na cidade de Roterdã e tem aos poucos invadido palcos europeus referenciais do free – em maio, por exemplo, chegam ao clássico espaço londrino “Vortex Jazz Club”. Sem obrigatoriamente fazer do peso ruidoso uma busca incessante, o Albatre encontra espaços para divagações entorpecentes que preparam os tímpanos para os centrais picos explosivos. Uma das grandes revelações do ano.

in: Free Form Jazz by Fabricio Vieira

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Albatre is an improvising trio from The Netherlands consisting of Hugo Costa on alto saxophone and electronics, Gonzo Almeida on bass and electronic effects and Philipp Ernsting on drums and electronics. Their music is frenetic and exciting free jazz with splashes of electronics that gives the music a wide palette of sound. Electric bass guitar and pulsating drums combine with snarls of electronics making a dark and ominous sound that is really in your face with blasts or drums between wails of saxophone. The start-stop dynamic they use is particularly effective as a tension building device on “Malestrom.” A spare and haunting theme opens “Aphotic Zone” with the reverberations of the electronics making for a lonely feel to the music. The full band comes through and really ramps things up into overdrive, moving into the following track, “Deep Trench” which is shorn of any ornamental nature and evolves into a pure trio stomp. “Vampyroteuthis Infernalis” has a strong bass and drum foundation that drives the music ever forward and makes for a great launching pad for an absolutely scalding sound. The closing “Albatrossia” breaks with the formula a bit, with Almeida and Ernsting developing a fractured funk groove before Costa enters and leads the group into an overpowering collective improvisation. I found this album to be quite enjoyable and exciting. The group holds nothing back, and fans of The Thing and similar groups should find a lot to enjoy here.

in: Music and More by Tim Nil

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Ce sont deux portugais et un allemand qui forment le trio Albatre, trois musiciens prometteurs que j’entends ici pour la première fois: Hugo Costa (saxophone alto, loop), Gonçalo Almeida (basse électrique, effets) et Philipp Ernsting (batterie, électronique). Indéniablement, Albatre rappelle la fin des années 90 et le début des années 2000 avec ce mélange détonant de punk et de free jazz. Une musique puissante, énergique et explosive, avec un son global massif et enflammé, des riffs gras et nerveux, des blasts et des rythmiques progressives tendues, un saxophone criard et virulent. Oui, on reconnaît là les éléments qui faisaient de Zu un super trio, mais Albatre ne s’arrête pas là. Avec l’ajout d’effets et d’électronique, c’est tout un penchant de l’improvisation libre et de la noise qui s’ajoute à leur musique. Albatre sonne comme un hommage aux groupes de free-rock, mais enrichit aussi sa musique d’éléments plus propres à l’eai et à la noise, ainsi qu’au progressif par moments… Six pistes, une petite demi-heure, et le tour est joué pour une suite explosive et grandement énergique de morceaux variés, énervés, viscéraux, sincères et originaux.

Une musique pour intellectuels “frustrés de n’avoir jamais été punk”, pour mélomanes alcoolisés et amateurs de noise comme de free. Hardcore, puissant, massif: jouissif.

in: Improv Sphere by Julien Heraud

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Há gajos com sorte, ponto. Gajos como eu e outros mais que já tiveram a oportunidade e o privilégio de poder desfrutar deste “A Descent into the Maelström” (Shhpuma, 2013), novíssimo disco dos Albatre, um projecto sediado em Roterdão, na Holanda, e dinamizado por Hugo Costa (saxofone alto e loops), Gonçalo Almeida (baixo eléctrico e electrónicas) e Philipp Ernsting (bateria e electrónicas). E não é exagero, há mesmo gajos com sorte; mesmo.

“A Descent into the Maelström” é um disco cheio de complexidades, um disco cheio de múltiplas soluções criativas. Não sendo um disco de puro rock ou de jazz, é acima de tudo um disco disso tudo e muito, muito mais. Estilisticamente pouco ortodoxo, ”A Descent into the Maelström” é ainda assim um enorme e criativo exercício de estilo, cravado de elementos rock e free jazz alinhados por fortes correntes de improviso e uma indomável vontade experimental. Não se espere o óbvio, nada disso, esperem antes uma conjunto de novas e intrincadas soluções instrumentais. O ritmo é verdadeiramente pulsional, assombroso, a espaços também vagaroso mas quase sempre violento, pujante, de linhas sonoras enigmáticas. Por mim, está encontrado um dos discos do ano!

in: A Trompa by Rui Dinis

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Crítica rock a um disco de jazz. Ou o contrário.

Grosso modo existe, tanto nas cabeças de quem escreve como de quem lê, a ideia (quase como um estereótipo, se é que lhe poderemos chamar assim) de que a crítica jazz tem obrigatoriamente de ser diferente da escrita pop/rock; os agentes culturais e outras forças externas incutem-nos essa percepção de que a primeira é mais erudita, e por conseguinte deverá ser analisada de forma mais cuidadosa, minuciosa, do que o simples disco rock de massas. Não enveredemos, contudo, por esse género de discussões – estas linhas são apenas um prefácio ou uma justificação para o que se segue.
O facto é que projectos como os Albatre – que não são os primeiros nem serão os últimos a pegar na feeria rock e a misturá-la com improvisações ou incursões pelo jazz – obrigam-nos a pensar nisto: que recursos estilísticos poderemos nós, os que escrevem, empregar? Importa falar de A Descent Into The Maelström com a loquacidade e literacia que nos merece, estudando estas peças academicamente, ou, do alto da nossa juventude eterna e rebelde, exorcizar Lester Bangs e descrever/elogiar o disco de Hugo Costa (saxofone alto), Gonçalo Almeida (baixo eléctrico) e Philipp Ernsting (bateria) por aquilo que nos faz sentir, inserindo a caralhada certeira no final de um qualquer parágrafo?
Dado que uma crítica é pessoal e intransmissível a não ser que estejamos a falar da Pitchfork e do seu rebanho hipster, opte-se pela segunda – pedindo desde já desculpa a quem se sentir ofendido ou enganado – porque 1) o autor destas linhas não é académico nem pretende sê-lo e 2) o autor destas linhas é um jovem eterno e rebelde do rock n’ roll. A Descent Into The Maelström é um híbrido excelente, uma daquelas provas de que o casamento interracial é algo de belo. Há um qualquer tema náutico na sua génese mas não interessa, porque temos que indubitavelmente falar da forma de tocar incendiária de H. Costa, e esta analogia seria um paradoxo absurdo ou um enorme erro de cálculo, já que o fogo não se dá bem com a água.
O destaque, contudo, vai todo para o baixo (já que a crítica é pessoal assuma-se desde já um fetiche por este instrumento) e para o riff pesado que o próprio começa a esgalhar ali por volta dos três minutos de “Maelström”, cru e eléctrico, acompanhado por percussão enérgica – julgamos estar num moshpit até que o chiar do saxofone em “Aphotic Zone” nos traz de volta à realidade. Este é um disco de jazz, ou lançado por uma editora de jazz, por isso não podemos dizer que isto nos arrepia a espinha. Ou se calhar até podemos. Daqui até final A Descent… continua a corroer-nos as veias com mais da mesma brutalidade, passando pela carícia stoner de “Vampyroteuthis Infernalis” e finando em “Albatrossia”, esgotados todos os adjectivos doutos. Venham então os populares: isto é do caralho.

in: Bodyspace by Paulo Cecílio

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Albatre provém da fornalha efervescente da cena improv da Holanda (Roterdão), de onde têm saído outros jovens grupos particularmente dinâmicos como EKE (com Yedo Gibson, Oscar Jan Hoogland e Gerri Jäger). Funciona como uma espécie de “power trio”, com os “loops” e o sax alto de Hugo Costa no lugar da guitarra eléctrica.
Gonçalo Almeida troca, neste contexto, o seu habitual contrabaixo por um baixo eléctrico e Philipp Ernsting desdobra-se entre a bateria e a electrónica. A fazer jus ao portentoso conto de Edgar Allan Poe com o mesmo nome deste disco, “A Descent Into the Maelström”, a música espirala-se em contínuas camadas, ganhando as composições títulos tão pouco auspiciosos como “Apothic Zone” ou “Vampyroteuthis infernalis”.
À primeira audição parece-nos um clone de Zu, mas com algo de Painkiller. O certo é que se afasta da complexidade técnica de Zu, que por vezes constrange a música deste grupo italiano, assim obtendo um “drive” único. E se não chega à insanidade de Painkiller, também, felizmente, não lhe repete o “azeite”.
Apesar das boas ideias introduzidas, estas arrastem-se sem desenvolvimento nem conclusão. O conceito estético adequa-se perfeitamente ao conceito de Poe, fosse essa a intenção ou não, mas a fórmula necessita ainda de algum refinamento.

in: Jazz.pt by P.Sousa